Artistes

Biographies
  • Ron Arad

    Ron Arad, galerie Downtown Après une formation à l'académie des arts de Jérusalem et en 1974 à l'Architectural Association de Londres, Ron Arad réalise ses premières créations avec des tubes métalliques. Ces pièces nommées « one-offs », car ce sont des pièces uniques, Ron Arad attachant une grande importance au caractère unique ou limité de ses œuvres. (One Off étant également le nom de sa première entreprise), sont typiques du début de la carrière de l’artiste. Au début des années 80, Ron Arad est remarqué grâce à son « Roverchair », avec un siège d'une voiture à quatre roues motrices. Tout comme le « sofa Transformer » composé d'un sac vinyl rempli de granulés, fait partie des premières créations de l’artiste, proche des ready-made poétiques, alliant matériaux high-tech et objets trouvés. L'étagère «Bookworms» et la bibliothqèue “Mortal coil” lui amèneront également la consécration, et célébrant l’admiration que Ron Arad portait à Marcel Duchamp. Ayant dans un premier temps préféré utiliser de l'acier poli pour une brillance élevée pour ses meubles de siège, Ron Arad incluera plus tard le bois, l'aluminium et le plastique. Les autres pièces ayant contribué à sa renommée sont le "Big Easy" (1988/89), "peu lourd" (1991), et, en 2000, le «Victoria & Albert" chaise. Grâce à ses choix de matériaux, de main-d'œuvre, de techniques de fabrication, et de formes inhabituelles, Ron Arad a su s’imposer dans le paysage mobilier, aussi bien qu’immobilier.

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    After a training at the Art academy in Jerusalem and in 1974 at the Architectural Association in London, Ron Arad produced his first creations with metal tubes. These pieces were called « One-offs » because they were unique pieces, Ron Arad attaching great importance to the uniqueness or limitation of his works. (One Off is also the name of his first company), are typical of the early career of the artist. In the early 80’s, Ron Arad knew his first success thanks to « Roverchair », a car seat resting on four-wheel. as well as lthe « transforming » sofa made of a vinyl bag filled with pellets, is among the first creations of the artist, close to the ready- made poetic, combining high-tech materials and found objects. The bookworms and Mortal Coils sets will also bring Ron Arad the consecration, and celebrate the admiration he felt for Marcel Duchamp. Having initially preferred to use the polished steel to a high gloss furniture for his seat and table, Ron Arad will include wood, aluminum and plastic. The other pieces that have contributed to his fame are the « Big Easy » (1988-1989), the « Little heavy » seat (1991), and in 2000, the « Victoria & Albert” chair. With his choice of materials, manufacturing techniques, and unusual forms, Ron Arad has proposed extremely sculptural forms for his architecture as well as his piece of furniture.

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  • André Bloc

    André Bloc, galerie Downtown Né en Algérie, il vient en métropole en 1898. Il fait des études d'ingénieur à l'École centrale Paris jusqu'en 1920 puis travaille dans des usines de moteurs et de turbines.
    En 1921 il fait la connaissance de Le Corbusier qui l'influence beaucoup et se tourne vers l'architecture.
    En 1922 il devient secrétaire général de la revue Science et Industrie, un an plus tard en 1923, le secrétaire général de la revue la Revue de l'ingénieur.
    En 1924 il fonde de la revue la Revue générale du Caoutchouc. En 1930 André Bloc fonde la célèbre revue L'Architecture d'aujourd'hui qu'il dirigera pendant longtemps.
    À partir de 1940 il se tourne vers la sculpture. Bloc fait les premières grandes sculptures à Paris entre 1949 et 1956. À partir de 1949 il fonde diverses revues, comme Art d'Aujourd'hui.
    En 1951 André Bloc intéressé par les artistes différents crée le groupe Espace. Le but est de porter les idées du constructivisme et néo-plasticisme dans l'urbanisme et le domaine social. Les artistes et les urbanistes Jean Dewasne, Étienne Béothy, Jean Gorin, Félix Del Marle, Edgard Pillet, Victor Vasarely et Nicolas Schöffer sont membres d’Espace. Espace considère l'architecture, peinture, sculpture et l'art comme un phénomène social.
    En 1952 le projet et la construction de la maison Bellevue à Meudon aboutissent. Ensuite André Bloc travaille jusqu'en 1966 principalement comme sculpteur et décorateur. En 1959 il participe à documenta II à Cassel. Bloc a réalisé de nombreux projets, entre autres à Téhéran, Nice, Jacksonville et Dakar. Ses sculptures ont une forme organique sculpturale à mi-chemin entre l'architecture et la sculpture.

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    André Bloc (Algiers, May 23, 1896 – New Delhi, November 8, 1966) was a French architect, sculptor, editor, and founder of several specialist journals. He founded the "Groupe Espace" in 1949.
    His work is related to that of architects Auguste Perret, Henri Sauvage, and Jourdain.
    Born in Algeria, he moved to France in 1898. He studied engineering until 1920, then worked in motor and turbine factories.
    In 1921 he met Le Corbusier who became influential in his career. After this meeting, Bloc moved towards architecture.
    In 1922 he became the general secretary of the journal Science et Industrie. One year later, in 1923, he became the general secretary of the journal "Revue de l'ingénieur".
    In 1924 he founded the journal "Revue général du Caoutchouc". In 1930 he founded the renowned journal L'Architecture d'Aujourd'hui, magazine still publishes, which he would direct for years.
    Starting in 1940, Bloc turned towards sculpture. He created his first large sculptures in Paris between 1949 and 1956. From 1949 on, he founded several journals, such as "Art d'Aujourd'hui."
    In 1951, in company with several artists, Bloc formed the group Espace. Its goal was to bring the ideals of constructivism and neo-plasticism to urbanism and the social arena. Artists and urbanists such as Jean Dewasne, Etienne Bóthy, Jean Gorin, Félix Del Marle, Edgard Pillet, Victor Vasarely and Nicolas Schöffer were members of the group, which considered architecture, painting, sculpture and art in general as a social phenomenon.
    In 1952 the project and construction of the Bellevue house at Meudon was finished. From then until his death in 1966, Bloc worked primarily as a sculptor and decorator. In 1959 he participated at "documenta II" in Kassel. Bloc completed several sculptures, including pieces in Tehran, Nice, Jacksonville, and Dakar. His sculptures demonstrate an organic sculptural form somewhere between architecture and sculpture.

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  • Pucci de Rossi

    Élève du sculpteur américain H.B. Walker, Pucci De Rossi commence son activité artistique en 1971. Sculpteur d’idées, de formes et de matières qu’il s’ingénie à transmuer en objets du quotidien, avec imagination et humour.

    D’apparence purement formelle, pétries d’ironie, jouant du détournement et du décalage, ses créations n’en sont pas moins des objets parfaitement fonctionnels et utiles. Se qualifiant lui-même un faux designer, il alterne le fonctionnel à la sculpture en esquivant le débat surgi dans les années 1990 autour de la polémique (toujours actuelle) art - design.

    Après différentes recherches formelles avec techniques et matériaux différents, les travaux récents de Pucci tiennent compte désormais d’une certaine réalité sociale. Tout en refusant le rôle de l’artiste politique, sociologue ou scientifique, Pucci tâche d’étoffer son travail selon les critères esthétiques propres à son background italien.

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    Italian artist born in Verona in 1947.
    Pucci Di Rossi lives and works in Paris since 1979. Student American sculptor HB Walker, he began his artistic activity in 1971. He carves ideas, forms and materials that strives to transmute everyday objects, that with imagination and humor. On purely formal appearance, steeped in irony, playing the diversion and delay, its creations are no less objects purely functional and useful. Qualifying himself fake designer he alternates functional sculpture dodging el debate arose in the 90s around the controversy still existing between art and design.
    While denying the role of the political artist, scientist or sociologist, Pucci spot to expand his work as aesthetic has its own Italian background

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    Pucci de Rossi, galerie Downtown
  • Tom Fecht

    Tom Fecht launched his artistic career in 1992 at Jan Hoet’s Documenta IX. In the late 1990s, he embraced photography as his preferred medium. Since then, he has produced an extensive body of landscape and portrait work. In recent years he became in particular known for his seascapes and night photography focusing phenomena invisible to the naked eye. His large scale minimalist works cross the line between the physical world and the invisible, magic part of our universe while pushing photography to the edge of quantum physics.
    Inspired by the Apollo moon missions he studied cybernetics, engineering, and art history at Columbia University New York and Technische Universität Berlin. As a young engineer, Fecht was involved in developing fax machines and computer-based imaging at IBM. In the 1970s, Fecht founded the gallery and publishing company Elefanten Press in Berlin. During the next two decades, Fecht worked as a gallerist, publisher, and editor focused on documentary and artistic photography. Fecht enjoys exploring photography as a tool in art, architecture and design; he also teaches at the Royal College of Art and Imperial College in London currently conducting scientific research on a new generation of scientific lenses and silver gelatins.
    As of 2012 his photographic works are limited to one unique vintage print. His work is regularly presented at TEFAF Maastricht and has featured in numerous museum exhibitions and collections, including the New National Galerie and Martin-Gropius-Bau in Berlin; Hamburger Kunsthalle, Art and Exhibition Hall of the Federal Republic of Germany, Bonn; Royal College of Art, London; Helmhaus Zurich; Museum DKM Duisburg, MuCEM Marseille and Musée des Beaux-Arts LAAC, Dunkerque – including also corporate and private collections.
    His work is currently represented by Gallery Laffanour Downtown Paris and Setareh Gallery, Düsseldorf

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    Tom Fecht, galerie Downtown
  • Byung Hoon Choï

    Galerie Downtown, Byung Hoon ChoïChoi Byung Hoon est né à Kangwon-Do, en Corée du Sud. Il est détenteur de deux diplômes (BFA en 1974, MFA en 1979) des beaux-arts de l’Université Hong Ik de Séoul. Parallèlement à ses études, il effectue de nombreux voyages à l’étranger en quête de nouvelles matières et formes dans le but de sublimer l’art plastique coréen.
    En 1977, Choi Byung Hoon fonde une association de jeunes artistes nommée Société pour la création des arts décoratifs et appliqués modernes. Avec celle-ci, il se lance dans la rénovation des arts décoratifs coréens qui, au courant des années soixante-dix, ne se basaient que sur la fonction pratique des objets.

    Son approche artistique met en avant l’esthétique, sans pour autant négliger le côté fonctionnel. Elle a pour objectif d’emmener les utilisateurs à une certaine tranquillité et une méditation. En effet, elle se base sur l’assertion selon laquelle : «lorsque l’art se reflète dans la vie quotidienne, il la rend belle».

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    Byung-Hoon Choi is an internationally respected master of 20th century Korean design. His soft, organic forms capture the tranquility of his country's landscape. The play of weight in his furniture design seems to conquer the notion of balance, creating an almost magical sense of strength and stability from within each piece.

    His work calls to mind that of icons such as Alvar Aalto, Isamu Noguchi and Henry Moore, but is wholly singular in Choi's evocation of Korean cultural symbols and his own artistic vision.
    In his work he has explored stack-laminated wood construction and exquisitely carved wooden surfaces combined with stone. In recent work he experiments with carbon fiber, a feather-light new material that he juxtaposes beautifully with dense black granite.

    Choi has exhibited internationally since the late 1970s. His work is held in numerous collections throughout Korea, including the National Museum of Contemporary Art, Seoul Metropolitan Museum of Art and the Korean Culture and Art Foundation. It is also included in the Vitra Design Museum collection in Weil am Rhein, Germany. In 1989 he was given the annual award from the Korean Craft Council and in 2007 he received Grand Prize at the Seoul Living Design Fair.

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  • Pierre Jeanneret

    Pierre Jeanneret, galerie Downtown Pierre Jeanneret (né à Genève le 22 mars 1896 et mort le 4 décembre 1967) est un architecte et designer suisse, cousin et proche collaborateur de Charles-Édouard Jeanneret, plus connu sous le nom de Le Corbusier. | Il est diplômé de l'École des Beaux-Arts de Genève. Il travaille avec Auguste et Gustave Perret à Paris en 1921-22, avant de commencer à collaborer avec Le Corbusier en 1922. Son rôle fut très important dans tous les projets même si l'on a souvent tendance à l'oublier. Ensemble ils éditent en 1926 un manifeste intitulé « Cinq Points vers une Nouvelle Architecture » qui sert ensuite de ligne de conduite à leur esthétique architecturale.
    La construction qui suit, la Villa Savoye (1928-1931) est une représentation de leur idéologie rédigée. En 1929 au Salon d’automne de Paris, il dévoile un ensemble de meubles modernes comprenant des chaises en acier tubulaire, des tabourets et un ensemble d’étagères modulaires en acier conçus en collaboration avec Le Corbusier et Charlotte Perriand. Au début des années 1950 Le Corbusier et Jeanneret commencent un projet à Chandigarh, en Inde, concevant et produisant des bâtiments à prix réduit pour la communauté. Le Corbusier abandonne le projet à mi-chemin, et Pierre Jeanneret en devient l’architecte en chef et le concepteur du développement urbain. Il demeure 15 ans en Inde afin de suivre les travaux, et Chandigarh devint une référence de l’architecture moderne.

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    Pierre Jeanneret (2 March 1896, Geneva - 4 December 1967) was a Swiss architect who collaborated with his more famous cousin Charles Edouard Jeanneret (who assumed the pseudonym Le Corbusier) for about twenty years.
    Their working relationship ended when Pierre joined the French Resistance and Le Corbusier did not. However, they collaborated once again and famously after the War, on the plan and architecture for the planned city of Chandigarh in India.
    Pierre Jeanneret, in collaboration with the English husband-wife team of Maxwell Fry and Jane Drew, was responsible for much of Chandigarh's huge civic architecture project. Pierre was responsible for a significant amount of designing for the Panjab University, including the Gandhi Bhawan and the University Library.
    Pierre Jeanneret stayed on in Chandigarh after its construction, advising the local government in his appointed capacity as Chief Architect of the city. On his death, in accordance with his will, Pierre Jeanneret's ashes were scattered in Chandigarh's central lake.

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  • Georges Jouve

    Georges Jouve est diplômé de l'Ecole Boulle. Il s'initie ensuite à la peinture au sein de l'académie Julian.
    Après des années de captivité en Allemagne, Georges Jouve se réfugie en 1941 à Nyons près de Dieulefit, village de tradition potière dans la Drôme.

    En 1945, Jouve s'installe à Paris où il installe son atelier rue de la Tombe Issoire. Il rencontre alors de nombreux décorateurs comme Mathieu Matégot et Jacques Adnet et participe au Salon des Artistes Décorateurs. En 1949, Georges Jouve élabore un émail noir légérement satiné qui rappelle le "buccero nero" (technique employée par les étrusques au 6e siècle av. JC) et réalise une série de vases anthropomorphes et zoomorphes.
    Après sa mort, Jacqueline, sa femme et collaboratrice, prolongera l'oeuvre de son mari en signant les pièces "Atelier Georges Jouve" (AT. Jouve).

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    Georges Jouve is an important ceramist of the 20th century. He was born in 1910 in Fontenay-sous-Bois and his parents were both decorators. At 17 years old, Jouve enrolled at the prestigious Ecole Boulle in Paris where he received theoretical instruction in Art History in addition to his technical studies as a sculptor. After Graduation in 1930 he first embarked on his artistic career as a theatrical set designer. During World War II, Jouve was captured by the Germans and interned in a German camp. After several attempts he escaped from the camp and took refuge at his step parents home in a potters village in the South of France called Dieulefit. In 1944, Jouve and his family moved back to Paris. He opened his studio in Paris and was invited by Jacques Adnet to participate in the exhibition “La Ceramique Contemporaine” by the Compagnie des Arts Francais. He then participated annually in numerous 'Salons' in France and internationally such as the “Salon des Artistes Decorateurs” in Paris, Association Francaise d'Action Artistique in Rio de Janeiro, and Vienna, Toronto, Rome, Milan, and Cairo.

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    georges Jouve, galerie Downtown
  • Le Corbusier

    Le Corbusier, galerie Downtown Charles-Édouard Jeanneret-Gris, né le 6 octobre 1887 à La Chaux-de-Fonds, dans le canton de Neuchâtel, et mort le 27 août 1965 à Roquebrune-Cap-Martin, plus connu sous le pseudonyme de Le Corbusier, est un architecte, urbaniste, décorateur, peintre, sculpteur et homme de lettres, suisse de naissance et naturalisé français en 19301.
    C'est l'un des principaux représentants du mouvement moderne avec, entre autres, Ludwig Mies van der Rohe, Walter Gropius, Alvar Aalto et Theo van Doesburg.

    Le Corbusier a également œuvré dans l'urbanisme et le design. Il est connu pour être l'inventeur de « l'unité d'habitation », concept sur lequel il a commencé à travailler dans les années 19202, expression d'une réflexion théorique sur le logement collectif. « L’unité d’habitation de grandeur conforme » (nom donné par Le Corbusier lui-même) ne sera construite qu'au moment de la reconstruction après la Seconde Guerre mondiale, en cinq exemplaires tous différents, à Marseille, Briey-en-Forêt, Rezé près de Nantes, Firminy et Berlin. Elle prendra valeur de solution aux problèmes de logements de l'après-guerre. Sa conception envisage dans un même bâtiment tous les équipements collectifs nécessaires à la vie — garderie, laverie, piscine, école, commerces, bibliothèque, lieux de rencontre.

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    Charles-Édouard Jeanneret, better known as Le Corbusier (French: [lə kɔʁbyzje]; October 6, 1887 – August 27, 1965), was an architect, designer, urbanist, writer, and one of the pioneers of what is now called modern architecture.

    He was born in Switzerland and became a French citizen in 1930. His career spanned five decades, with his buildings constructed throughout Europe, India and America. He was a pioneer in studies of modern high design and was dedicated to providing better living conditions for the residents of crowded cities. He was awarded the Frank P. Brown Medal and AIA Gold Medal in 1961.

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  • Serge Mouille

    Serge Mouille est né le 24 décembre 1922 à Paris et décédé en 1988.
    Originaire d’un quartier populaire de Paris, Serge Mouille entre à treize ans à l’École des Arts Appliqués de la rue Dupetit-Thouars. Il se spécialise dans le travail du métal et obtient un diplôme d’orfèvrerie. Après avoir travaillé quelques années dans l’atelier de Gabriel Lacroix, il s’installe à son compte en 1945, avec l’intention de créer de l’orfèvrerie de table.
    Dès 1953, Serge Mouille commence ses recherches sur les formes en métal et la fabrication artisanale de luminaires, tout en assurant la direction de l’atelier d’orfèvrerie de l’École des arts appliqués, dont il est diplômé. En 1955, il est élu à la Société des artistes décorateurs (SAD).
    L’année suivante, Steph Simon ouvre une galerie de design au 145 Bd St Germain. Sous l’influence de Charlotte Perriand et de Jean Prouvé, la galerie accueille les travaux de Serge Mouille, ainsi que ceux d’Isamu Noguchi et de Jean Luce. Ainsi s’amorce une diffusion discrète de ses luminaires, alors que des commandes spéciales lui sont passées : réfectoires et espaces verts de la Cité universitaire d’Antony, universités de Strasbourg et d’Aix-Marseille, Centre d'essais en vol de Brétigny-sur-Orge, luminaires du paquebot transatlantique « France ».

    Atteint depuis longtemps de tuberculose, Serge Mouille est forcé de suspendre ses activités de designer en 1959 et de suivre une cure en montagne.
    En 1961, grâce à la Société de création des modèles (SCM), il peut exposer, au Salon des arts ménagers, une nouvelle collection de luminaires combinant fluorescence et incandescence. Sa production s’arrête définitivement en 1964.
    Serge Mouille reste surtout célèbre pour ses luminaires aux formes dépouillées, au métal uniformément peint en noir. Ses réflecteurs muraux, articulés sur des bras pivotants de portées diverses, illustrent l’espace d’une présence discrète mais hautement fonctionnelle.

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    He was born and raised in a popular part of Paris. At the age of 13 he was admitted to the École des Arts Appliqués. His area of study was metallurgy and he earned a diploma in silversmithing.
    After having worked a few years in the workshop of Gabriel Lacroix, he opened his own workshop in 1945 with the intention of creating silverware utensils.
    In 1953 he began researching and designing light fixtures. During this period he was also supervising the gold smithing department at l'École des Arts Appliqués. In 1955 he was inducted into the Société des Artistes Décorateurs ("the Interior Decorators' Society"). The following year, Steph Simon opens a design gallery at 145 Bd St Germain in Paris. Displaying the work of Charlotte Perriand and Jean Prouvé, the gallery soon also features the work of Serge Mouille, Isamu Noguchi, and Jean Luce. The designs of these artists soon become more widely known thanks to orders placed by institutions such as, Cité universitaire d’Antony, University of Strasbourg, University of Aix-Marseille, and Centre d’essais en vol de Brétigny.
    Serge Mouille suffered from tuberculosis for many years, and in 1959 he was forced to suspend his design activities and undergo treatment.
    In 1961, thanks to the Société de Création des Modèles, he was able to exhibit his latest light fixture designs at the trade show Salon des arts ménagers. These designs combined the concepts of fluorescence and incandescence.
    Production of his light fixtures stopped definitively in 1961.
    Serge Mouille remains famous primarily for his minimalistic designs and use of uniformly black painted metal materials. His wall-mounted spot light fixture with articulated arms is typical for his discrete, yet highly functional designs.

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    serge mouille, galerie Downtown
  • Charlotte Perriand

    Charlotte Perriand, galerie Downtown La designer Charlotte Perriand fait partie des icônes françaises du design qui aux côtés de Le Corbusier ou Pierre Jeanneret à révolutionné le design d'architecture et d'objets grâce à un travail sur la forme mais également grâce à une interrogation de fond sur la nature des objets dans leur environnement social.
    Filles d'artisans, sa mère est une couturière de mode et son père tailleur de haute couture, Charlotte Perriand s'oriente naturellement vers les arts décoratifs. Elle sera diplômée de l'UCAD en 1925. Son oeil critique et son sens des matériaux lui ouvrent très rapidement les portes des ateliers de Pierre Jeanneret en 1927. Elle prendra la responsabilité des équipements mobiliers avec lesquels elle s'était fait connaître au Salon d'automne de l'ameublement en 1927.

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    Charlotte Perriand (24 October 1903 – 27 October 1999), was a French architect and designer. Her work aimed to create functional living spaces in the belief that better design helps in creating a better society. In her article L’Art de Vivre from 1981 she states “The extension of the art of dwelling is the art of living- living in harmony with man’s deepest drives and with his adopted or fabricated environment.”
    After applying to work at Le Corbusier's studio in 1927 and being rejected, Perriand renovated her apartment into a room with a large bar made of aluminum glass and chrome. She recreated this for the Salon d’Automne where Le Corbusier's partner, Pierre Jeanneret, showed him her contribution. He changed his mind and offered her a job in furniture design. There, she was in charge of their interiors work and promoting their designs through a series of exhibitions.
    In 1928 she designed three chairs from Corbusier's principles. Each chair had a chromium-plated tubular steel base. At Corbuiser's request a chair was made for conversation: the B301 sling back chair, another for relaxation: the LC2 Grand Comfort chair, and the last for sleeping: the B306 chaise longue.

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  • Gaetano Pesce

    Né à La Spezia en 1939, Gaetano Pesce étudie l'architecture à Venise et fréquente, dans la même ville, l'Institut de dessin industriel, une école expérimentale. Depuis 1962, il travaille dans le domaine du design, en expérimentant de nouveaux matériaux et des formes inhabituelles. En 1971, il collabore avec BracciodiFerro (société du groupe Cassina) pour la production d'objets d'avant-garde. En 1972, il participe à la célèbre exposition « Italy : The New Domestic Landscape » au MoMA de New York, avec une proposition d'habitation.
    Expérimentation et ironie se retrouvent également dans les projets réalisés pour Cassina, parmi lesquels on peut citer le canapé Tramonto a New York (1980) et le fauteuil I Feltri (1987). Après un long séjour à Paris, en 1983, il s'établit à New York où il vit et travaille. Ses œuvres se trouvent dans les plus grands musées de design du monde.

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    Gaetano Pesce (born 1939) is an Italian architect and designer.
    Gaetano Pesce was born in La Spezia in 1939. He studied Architecture at the University of Venice. He has since worked worldwide as an architect and a designer for companies such as B&B Italia, Vitra and Cassina. His most famous building is the "Organic Building" in Osaka. He has lived in New York since 1980, and has been a guest professor in institutions like the Cooper Union in New York and the Institut d'Architecture et d'Etudes Urbaines in Strasbourg. Some of his designs have been included in the collections of the MoMA and the Victoria and Albert Museum. He is known for experimenting with new materials, and the material of resin has become his signature material.

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    Gaetano Pesce, galerie Downtown
  • Jean Prouvé

    Jean Prouvé, galerie Downtown Jean Prouvé, né le 8 avril 1901 à Paris (14e arrondissement) et mort le 23 mars 1984 à Nancy, est un ferronnier, entrepreneur militant de la construction industrialisée dans le secteur du bâtiment, constructeur industriel utilisant le matériau aluminium en pionnier, mais aussi un architecte et un dessinateur de meubles autodidacte français. Fier de son apprentissage de forgeron, ce petit patron artisan en ferronerie d'art, ami de Le Corbusier, est devenu un chef d'entreprise pionnier dans les techniques de mise en œuvre industrielle du bâtiment.

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    Jean Prouvé (8 April 1901 - 23 March 1984) was a French metal worker, self-taught architect and designer. His main achievement was transferring manufacturing technology from industry to architecture, without losing aesthetic qualities. His design skills were not limited to one discipline. During his career Jean Prouvé was involved in architectural design, industrial design, structural design and furniture design.

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  • Jean Royère

    Jean Royère ( 1902 - 1981 ) est un décorateur français. Issu d'un milieu aisé, Jean Royère ne devient décorateur qu'à l'âge de 29 ans.Il abandonne une situation confortable dans l'import-export pour le métier de décorateur. Sans formation particulière mais animé d'un goût inné pour la décoration, il débute sa carrière dans une fabrique du Faubourg Saint-Antoine et obtient sa première grande commande (le bar du Carlton sur les Champs-Élysées ) en 1933. Son succès est immédiat et lui permet de collaborer jusqu'en 1942 avec Pierre Gouffé dans la création d'un mobilier original et de grande qualité. Au sortir de la guerre, ayant fondé sa propre entreprise, il décide d'ouvrir des agences dans de nombreux pays: Liban, Égypte, Syrie, Pérou...
    Jean Royère devient à cette époque le décorateur des souverains du Moyen-Orient, affirmant un style unique, fait de motifs déclinés avec imagination et démesure, audace dans l'utilisation des couleurs et des matériaux. Ses décors féériques en font l'un des décorateurs les plus étonnants de l'après-guerre, s'inscrivant en marge des grands courants, proposant des solutions uniques mais toujours fonctionnelles.

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    In 1931, aged 29, Jean Royère (1902-1981) resigned from a comfortable position in the import-export trade in order to set up business as an interior designer. He learnt his new trade in the cabinetmaking workshops of the Faubourg Saint-Antoine in Paris. In 1934, he signed the new layout of the Brasserie Carlton on the Champs Elysées and found immediate success. This was the beginning of an international career that was to last until the early 1970s. A key figure of the Avant-garde in the 1950s, Royère tackled all kinds of decoration work and opened branches in the Near East and Latin America. Among his patrons were King Farouk, King Hussein of Jordan, and the Shah of Iran, who were captivated by his freedom of creation and his elegance and entrusted him with the layout of their palaces. Royère pioneered an original style combining bright colors, organic forms and precious materials within a wide range of imaginative accomplishments. In 1980, he left France for the United States, where he lived until his death.

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    Jean Royère, galerie Downtown
  • Ettore Sottsass

    Ettore Sottsass, galerie Downtown Ettore Sottsass est né le 14 septembre 1917 à Innsbruck en Autriche. Considéré comme l'un des plus grands designers du XXe siècle, il a été une figure incontournable de l'art et de l'architecture italiens d'avant-guerre. Cet ancien élève d'Otto Wagner a commencé sa carrière en tant qu'architecte auprès de son père, Ettore Sottsass Sr., puis a ouvert sa propre agence en 1947.
    Son travail s'est basé essentiellement sur les jeux de lumières et de couleurs, meilleures définitions selon lui des formes et des espaces. Il a participé à la conception du tout premier ordinateur italien, puis a dessiné plusieurs machines à écrire électriques.

    A partir des années 1970, Ettore Sottsass s'est consacré au dessin et à l'écriture. Il a aussi accordé beaucoup d'importance à son travail de photographie, collaboré avec quelques revues italiennes, et fondé en 1973 Global Tools, sorte de contre-école d'architecture/design. Après de nombreuses collaborations et récompenses, Ettore Sottsass a été exposé dans les plus grands musées du monde. Reste de lui une phrase célèbre : « Le designer est une éponge, certes, mais une éponge cosmique ».
    Il s'est éteint à Milan, le 31 décembre 2007.

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    Sottsass was born on 14 September 1917 in Innsbruck, Austria, and grew up in Milan, where his father was an architect.
    He was educated at the Politecnico di Torino in Turin and graduated in 1939 with a degree in In 1959 Sottsass began working as a design consultant for Olivetti, designing office equipment, typewriters and furniture. Sottsass was hired by Adriano Olivetti, the founder, to work alongside his son, Roberto. There Sottsass made his name as a designer who, through colour, form and styling, managed to bring office equipment into the realm of popular culture.[1] Sottsass, Mario Tchou, and Roberto Olivetti won the prestigious 1959 Compasso d’Oro with the Elea 9003, the first Italian mainframe computer.
    Throughout the 1960s, Sottsass traveled in the US and India and designed more products for Olivetti culminating in the bright red plastic portable Valentine typewriter in 1969, which became a fashion accessory. Sotsass described the Valentine as "a brio among typewriters." Compared with the typical drab typewriters of the day, the Valentine was more of a design statement item than an office machine.
    While continuing to design for Olivetti in the 1960s, Sottsass developed a range of objects which were expressions of his personal experiences traveling in the United States and India. These objects included large altar-like ceramic sculptures and his "Superboxes"; radical sculptural gestures presented within a context of consumer product, as conceptual statement. Covered in bold and colorful, simulated custom laminates, they were precursors to Memphis, a movement which came more than a decade later.

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  • Vassilakis Takis

    Sculpteur grec né en 1925 à Athènes.
    Alors qu’il était peintre-sculpteur, il participe à la résistance grecque pendant la seconde guerre mondiale lors de l’occupation allemande puis à la guerre civile qui suivit.
    En 1954 il quitte la Grèce pour la France et décide de vivre à Paris. Il vit aujourd’hui entre Paris et Athènes.

    Son œuvre est influencée par l’invention du radar en 1955 et lorsqu’il découvre les champs magnétiques en 1958. Il utilise la force invisible de l’électromagnétisme pour créer une atmosphère mystérieuse issue des signaux ferroviaires. Ses premiers signaux sont des tiges métalliques flexibles qui clignotent puis il fait danser des boules géantes suspendues grâce à l’action de l’électro aimant. En ajoutant des amplificateurs il fait résonner ses sculptures d’une musique hiératique impressionnante. Il rencontre Marcel Duchamps en 1961, et est cité dans le « New Scientist » à coté de Yannis Xenaxis et Jonh Cage comme un des musiciens les plus prometteurs du siècle.
    Ses œuvres font parties de nombreuses collections privées et public dans le monde entier. Trois de ses signaux sont exposés dans la collection permanente du Musée Georges Pompidou à Paris.

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    Panayiotis Vassilakis Takis (Greek b.1925)
    Takis is a leader of the Kinetic movement and a precursor of Street Art Performance. Mainly working with light and magnetic energy, he gave form to series of 'Signals', 'Music Sculptures' and 'Tele- and Hydro-Magnetic Sculptures'.
    Born in Greece, Takis settled in Paris in 1954. Influenced by the invention of the radar and the technological landscape of the station of Calais, Takis constructed his first Signals in 1955. Soon, theses signals became kinetic and flexible, resembling electric aerials and were shown at the first 'International Exhibition of the Plastic Arts' at the Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, 1956. In 1966 Takis worked in London and employed 'Unlimited', Bath to produce his signals. Takis continued to make signals throughout his career.

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    Vassilakis Takis, galerie Downtown