Histoire des grands architectes & designers : PART 4 Luis Barragan Un Design architectural entre Tradition et Modernité © DR Luis Barragan (1902-1988) a toujours donné une place de premier ordre à la couleur au sein de son architecture. Et, tout au long de sa vie, il sera toujours choyé par celles-ci. Pour Barragan, la couleur accompagne l’architecture, la transforme, pouvant lui donner une forme plus créative, qui marquera le cœur de son œuvre. Luis Barragan (1902-1988) has always given a prominent place to color in his architecture. And, throughout his life, he will always be pampered by them. For Barragan, color accompanies architecture, transforms it, which can give it a more creative form, which will mark the heart of his work. © DR Luis Barragan nait à Guadalajara où il grandit dans un Mexique en pleine évolution et surtout révolution ! Ces changements lui donneront cette envie de se tourner vers un monde moderne. D’une révolution politique menée en 1914 par Emilio Zapatta (que peindra Diego Rivera) à une guerre religieuse : la guerre des Christeros (vers 1926-29), le Mexique s’enflamme dans un bouillon de révolutions intellectuelles. Commencés à la fin du XIXème siècle, les développements économiques et diplomatiques ont fait du Mexique une terre d’immigration. Le bouillonnement et les échanges culturels, déjà présents à l’époque, fondent les bases de l’avant-garde mexicaine – néanmoins très politisée – qui marqueront très vite l’indépendance de cette Nation (Jose Guadalupe Posada, Diego Rivera, Frida Calo, Jose Clemente Orozco, Ruffino Tamayo, Maria Izquierdo, Manuel Alvarez Bravo, Tina Modotti..). Luis Barragan was born in Guadalajara where he grew up in a country evolving a lot, and above all, going through a massive revolution! These changes will give him the desire to radically turn to a modern world. From a political revolution led in 1914 by Emilio Zapatta (painted by Diego Rivera) to a religious war: the Christeros war (c. 1926-29), Mexico ignites in a broth of intellectual revolutions. Begun at the end of the 19th century, economic and diplomatic development made Mexico a land of immigration. The bubbling and cultural exchanges, already present at the time, founded the bases of the Mexican avant-garde – nevertheless very politicized – which very quickly marked the independence of this Nation (Jose Guadalupe Posada, Diego Rivera, Frida Calo, Jose Clemente Orozco, Ruffino Tamayo, Maria Izquierdo, Manuel Alvarez Bravo, Tina Modotti…). © DR © DR Pour ses premiers projets d’architectures des années 30, Luis Barragan puise ses sources d’inspiration dans l’architecture moderniste européenne des années 20-30, comme celle de Le Corbusier, dont il assiste à une conférence à Paris en 1931, il visitera également la Villa Savoye. L’architecture du Bauhaus et plus particulièrement celle de Walter Gropius l’intéresse aussi. Les structures, les espaces et les volumes sont réinterprétés dans son architecture mexicaine. For his first architectural projects of the 1930s, Luis Barragan draws his sources of inspiration from the European modernist architecture of the 20s and 30s, such as Le Corbusier, of which he attended a conference in Paris in 1931 and will visit also the Villa Savoye. He was also interested in Bauhaus architecture and more particularly of Walter Gropius. The structures, spaces and volumes are reinterpreted in its Mexican architecture. © DR © DR © DR © DR Luis Barragan n’oubliera jamais l’architecture ancestrale mexicaine – celle du peuple Aztèque – qu’il réadapte de différentes manières dans le plan géométrique de ces maisons, tout comme dans les espaces. Plus il y a de lieux d’archéologie mis à jour, plus il y a de sources d’inspiration dans lesquelles puiser. Luis Barragan will never forget the ancestral Mexican architecture either – Aztec – which he re-adapts in different ways in the geometric plan of these houses, as well as in the spaces. The more archaeological sites are uncovered, the more sources of inspiration there are to draw from. © DR Dans ces espaces minimaux, de grandes tailles – où le mobilier et la décoration épurée viennent simplement accompagner l’architecture intérieure – la couleur prime sur tout. Plus particulièrement dans la Casa Giraldi (1976) où ses combinaisons de couleurs composent un exceptionnel décor graphique qui change en fonction des heures de la journée. Celles-ci sont, en partie, issues de l’univers pictural du peintre mexicain Chucho Reyes Ferreira que l’architecte affectionnait particulièrement. In the minimal spaces, with large volumes – where the furniture and the decoration simply accompany the interior architecture – color takes precedence over everything. More particularly in the Casa Giraldi (1976) where its color combinations compose an exceptional graphic decoration which changes according to the hours of the day. These come, in part, from the pictorial universe of the Mexican painter Chucho Reyes Ferreira, whom the architect was particularly fond of. © DR © DR © DR Luis Barragan est déjà connu, et reconnu dans la période de l’après-guerre et son architecture est présentée dans une revue nationale comme Espacios, ainsi que dans la grande revue internationale française : l’Architecture d’Aujourd’hui. Pour l’ensemble de son œuvre, il reçoit le Prix Pritzker en 1980. Luis Barragan is already well-known and recognized in the post-war period and his architecture is featured in a national journal such as Espacios, as well as in the great French international journal: l’Architecture d’Aujourd’hui. For his work, he received the Pritzker Prize in 1980. © DR © DR © DR Il est essentiel de rappeler également que Luis Barragan a réalisé du mobilier pour la plupart des intérieurs de ses clients. Les meubles sont avant tout conçu de manière spécifique pour chaque commande, adapté à l’espace et au cadre de la maison. Généralement réalisé en sabino – bois blond mexicain – ce mobilier ne sera jamais peint, toujours laissé au naturel. Aux formes géométriques minimales, il ne comportera jamais de décor sculpté dans le bois ; il est simple, raffiné. On retrouve quelques pièces réalisées en série, comme certaines assises ou encore tables basses. Luis Barragan a un style qui lui est propre – en lien avec son architecture – qui diffère totalement des pièces de celles réalisées à l’époque, au Mexique, par Clara Porset ou encore Don Shoemaker. It is also essential to remember that Luis Barragan produced furniture for most of his clients’ interiors. The furniture is – above all – designed specifically for each order, adapted to the space and setting of the house. Usually made in sabino – Mexican blond wood – this furniture will never be painted, always left natural. With minimal geometric shapes, it will never include a decoration carved in wood; it is simple, refined. There are a few pieces produced in series, such as some seats or coffee tables. Luis Barragan has a style of his own – linked to his architecture – which is totally different from the pieces produced at the time, in Mexico, by Clara Porset or Don Shoemaker. © DR © DR © DR © DR LUIS BARRAGAN FURNITURE Disponible à la galerie / Available at the gallery Nous avons sélectionné 3 pièces iconiques de Luis Barragan pour compléter votre collection. We have selected 3 iconic Luis Barragan pieces in order to supplement your collection. Luis Baragán (1902-1988) Banc, ca. 1968 Pin H. 45,5 x L. 302 x W. 49 cm./span> Bench, ca. 1968 Pine H. 17,9 x L. 118,9 x 19,2 in. Provenance : Cuadra San Cristobal / Casa Egerström, Fraccionamento de Los Clubes, Mexico Luis Baragán (1902-1988) Table basse, 1966-1968 Pin Ø. 133 x H. 40 cm Coffee table, 1966-1968 Pine Ø. 52.4 x H. 15.8 in. Provenance : Cuadra San Cristobal / Casa Egerström, Fraccionamento de Los Clubes, Mexico Luis Baragán (1902-1988) Coiffeuse, ca. 1951 Structure en pin, caisson à tiroirs sur le côté droit, miroir escamotable H. 74 x L. 157.5 x P. 63.5 cm Vanity, ca. 1951 Pine structure, drawers on the right side, retractable mirror H. 29.1 x W. 62 x D. 25 in. Provenance : Casa Pedregal, Mexico City, Mexique

Histoire des grands architectes & designers : PART 3 Kenzo Tange De l’Architecture au Design © DR Maître incontournable de l’architecture moderne et contemporaine japonaise, Kenzo Tange a marqué des générations d’architectes, d’abord japonais puis internationaux, qui sont passés par son agence. Il est un des plus grands architectes internationaux à avoir construit dans plus de 20 pays différents et à avoir fait évoluer son style, en fonction des époques et des commandes internationales. Master of modern and contemporary Japanese architecture, Kenzo Tange has left his mark on generations of architects, first Japanese and then international, who have passed through his agency. He is one of the greatest international architects to have built in more than 20 different countries and to have evolved his style, according to time and to international orders. Temple Shoso-In (800) Première maison Kanzo Tange, Tokyo (1952) Hiroshima Memorial, Hiroshima (1954) Elève de Kunio Maekawa, au début des années 40, il sera fortement influencé par certaines thèses de Le Corbusier et notamment l’utilisation du béton armé, qui apportera une nouvelle idée conceptuelle de l’architecture, comme il la perçoit dans l’après-guerre. En lien avec l’architecture traditionnelle japonaise de bois à laquelle il est sensible, il conservera dans un premier temps ses formes, son concept, pour évoluer ensuite vers un style plus radical. Cette nouvelle architecture contextualisée apporte une lecture plus minimale de son style qui se dirige, en partie, vers une architecture brutaliste ; celle-ci naît au début des années 60. Pupil of Kunio Maekawa at the start of the 1940s, he was strongly influenced by certain Le Corbusier theses and in particular the use of reinforced concrete, which brought a new conceptual idea of architecture, as he perceived it in the post-war period. In line with traditional Japanese wood architecture to which he is very sensitive, it will initially retain its forms, its concept, and then evolve into a more radical style. This new contextualized architecture brings a more minimal reading of his style which goes, in part, towards a brutalist architecture; it was born in the early 1960s. © DR Hall de la Mairie de Tokyo (1958) Mais Kenzo Tange n’est pas insensible au Design qui se développe timidement au Japon, dans les premières années d’après-guerre avec des acteurs notables comme Sori Yanagi ou encore Isamu Kenmochi. Soutenu par la maison d’édition de mobilier japonaise : Tendo Mokko, il va alors réaliser quelques meubles en édition mais aussi des commandes spéciales pour des lieux spécifiques. Le bois et la pierre, adaptés à des formes modernes, constituent les principaux matériaux de son design. Celui-ci constitue souvent une relecture des formes traditionnelles du Japon ancestral. Dans sa nouvelle architecture moderne de béton, le mobilier devient sculpture. But Kenzo Tange is not insensitive to Design, which slowly developed in Japan in the first post-war years with notable actors such as Sori Yanagi or Isamu Kenmochi. Supported by the Japanese furniture publishing house: Tendo Mokko, he will then make some edition furniture but also special orders for specific places. Wood and stone, adapted to modern forms, constitute the main materials of its design. This often constitutes a rereading of the traditional forms of ancestral Japan. In its new modern concrete architecture, the furniture becomes sculpture. © DR © DR © DR Une de ses principales commandes de mobilier est réalisée en 1957, pour le Sumi Memorial Hall, à Bisai ; elle fait partie de ses premières réalisations de mobilier. Il dessine une ligne de meubles comprenant tables basses, chaises, fauteuils, en bois moulé, d’inspiration traditionnelle. A l’image de son architecture, leur forme est très minimale, ôtée de tout décor. Il réalisera aussi pour le hall d’entrée quelques exceptionnelles tables basses, à plateau carré, reposant sur une base pyramidale inversée ! Pour le Sumi Memorial hall sera aussi exécuté par Charlotte Perriand un grand bureau, à plateau rectangulaire. One of his most important furniture orders was in 1957 for the Sumi Memorial Hall in Bisai; it is one of his first furniture creations. He designs a full line of furniture including low tables, chairs, armchairs, in molded wood, of traditional inspiration. Like its architecture, their form is very minimal, removed from any decor. He will also create for the entrance hall some exceptional low tables, with square tops, resting on an inverted pyramidal base! Charlotte Perriand will also design a large desk with a rectangular top for the Sumi Memorial hall. KENZO TANGE FURNITURE Disponible à la galerie / Available at the gallery Nous avons sélectionné 2 pièces iconiques de Kenzo Tange pour compléter votre collection. We have selected 2 iconic Kenzo Tange pieces in order to supplement your collection. Kenzo Tange (1913-2005) Table, 1957 Hêtre H. 69 L. 139 P. 86 cm Table, 1957 Beech H. 27,2 L. 54,7 P. 33,9 in Provenance : Hall mémorial Sumi, Bisai, Kenzo Tange Kenzo Tange (1913-2005) Chaise, 1957 Tapisserie, hêtre L.77 x L.52 x P.54 cm Chair, 1957 Tapestry, beech L.30.3 x L.20.5 x W.21.3 in Provenance : Hall mémorial Suomi, Bisai, Kenzo Tange. Néanmoins, il ne faut pas oublier les pièces incontournables de Designers japonais comme : Nevertheless, we must not forget the masterpieces of Japanese designers such as: SORI YANAGI © Laffanour Galerie Downtown © Laffanour Galerie Downtown ISAMU KENMOCHI © Laffanour Galerie Downtown ISAMU NOGUCHI © Laffanour Galerie Downtown

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Histoire des grands architectes & designers : Pendant ce nouveau confinement, nous avons décidé de vous proposer l’histoire de plusieurs grands architectes et designers, afin de replacer leur importance dans l’histoire du design du XXème siècle. Il sera ainsi question de leur rôle en tant qu’artistes, de leurs inspirations et de leurs inventions. During the new French lockdown, we have decided to share the stories of several great architects and designers with you, in order to honor their importance in the history of 20th century design. It will thus be about their role as artists, their inventions and their inspirations. Part 1. Isamu Noguchi l “Rêves de lumière” PART 2 GEORGE NAKASHIMA « L’Âme du bois » George Nakashima (1905-1990) © DR Né à Spockane, aux États-Unis, en 1905, l’ébéniste et designer George Nakashima est originaire d’une famille japonaise. Il commence ses études à l’université de Washington, puis étudie à l’École Américaine des Beaux-Arts près de Paris. Il obtient ensuite son master d’architecture au sein du très fameux et réputé Massachusetts Institute of Technology (MIT) en 1980. Il commence sa carrière d’architecte designer dans l’État de New York, puis déménage au Japon. Dès lors, la vie de Nakashima est rythmée par de nombreux voyages, entre l’Europe, l’Inde et la Chine. Artiste bohème, il passe notamment par Paris, au début des années 30, ce qui lui permet de fréquenter l’Avant-Garde artistique dans le quartier du Montparnasse. Il s’installe ensuite de nouveau au Japon, pour deux ans, où il renoue avec ses origines. Il y découvre le design et l’architecture de l’archipel nippon auprès de l’architecte Antonin Raymond, élève de Cass Gilbert et Frank Lloyd Wright. Born in Spockane, USA, in 1905, cabinetmaker and designer George Nakashima comes from a Japanese family. He began his studies at the University of Washington, then studied at the American School of Fine Arts near Paris. He then obtained his master’s degree in Architecture from the very famous and renowned Massachusetts Institute of Technology (MIT) in 1980. He began his career as an architect-designer in New York State, then moved to Japan. From then on, Nakashima’s life is marked by many trips, between Europe, India and China. A bohemian artist, he notably passed through Paris in the early 1930s, which enabled him to frequent the artistic Avant-Garde in the Montparnasse district. He then moved back to Japan for two years, where he reconnected with his origins. There he discovered the design and architecture of the Japanese archipelago with the architect Antonin Raymond, a pupil of Cass Gilbert and Frank Lloyd Wright. George Nakashima (1905-1990) © DR En 1942, il travaille de nouveau aux États-Unis, dans son premier atelier, alors en tant qu’associé du prêtre Tibesar, mais la guerre bat son plein… Nakashima et sa famille sont alors envoyés de force dans un camp de l’Idaho, pour y être internés. Il y restera un an, au cours duquel il apprend le travail du bois – mais aussi la patience et la discipline – avec un maitre charpentier japonais, Gentaro Hikogawa. En 1943, Antonin Raymond l’aide à en sortir, et lui permet de s’installer dans un nouvel atelier à New Hope, en Pennsylvanie. Ses pièces les plus fameuses commencent alors à être pensées, dessinées et réalisées, mettant toujours en valeur la beauté naturelle et la simplicité du bois. Souvent avec des bordures brutes, et une emphase particulière sur l’artisanat… En effet, en véritable artisan, Nakashima limite sa production à ce qu’il peut faire lui-même, avec l’aide de quelques assistants seulement. In 1942, he worked again in the United States, in his first workshop, as an associate of priest Tibesar, but the war was going on… Nakashima and his family were then forcibly sent to a work camp in Idaho, to be interned there. He stayed there for a year, during which he learned woodworking – as well as patience and discipline – with a Japanese master carpenter, Gentaro Hikogawa. In 1943, Raymond Antonin helped him out, and allowed him to move into a new studio in New Hope, Pennsylvania. His most famous pieces then began to be thought out, drawn and produced, always emphasizing the natural beauty and simplicity of wood. Often with rough edges, and a special emphasis on craftsmanship… Indeed, as a true craftsman, Nakashima limits his production to what he can do himself, with the help of only a few assistants. George Nakashima in his workshop © DR George Nakashima collabore longuement avec Knoll, pour qui il réalise du mobilier tel que la « Straight Back Chair », mais aussi Widdicomb-Mueller… George Nakashima worked for a long time with Knoll, for whom he produced furniture such as the « Straight Back Chair », but also Widdicomb-Mueller … En 1973, son agence prend de l’ampleur, notamment grâce à des commanditaires privés, les Rockefeller, pour lesquels il conçoit plus de 200 pièces. In 1973, his agency greatly grew, notably thanks to private collectors, the Rockefeller’s, for whom he designed more than 200 pieces. Rockerfeller’s house © DR Chacune de ses pièces est une œuvre unique, qu’il créé pour un lieu spécifique, et le plus souvent destinée à un endroit bien particulier. Dans ses travaux, il laisse transparaitre la noblesse du bois, à travers ses nervures, ses veines, ses courbes… Each of his pieces is an unique work, which he created for a specific place, and most often intended for a very particular place. In his works, he lets the nobility of wood shine through, through its ribs, its veins, its curves … © DR Nakashima met au point une agrafe en forme de papillon lui permettant de joindre deux pièces de bois… qui deviendra sa signature. Nakashima develops a butterfly-shaped clip allowing him to join two pieces of wood… which will become his signature. Conoid Bench © Laffanour Galerie Downtown Dessin préparatoire pour les sculptures lumineuses Issey Miyake © DR George Nakashima’s Art’s Building in New Hope, Pennsylvania © Don Freeman “Chaque feuille, chaque panneau, chaque planche ne peut avoir qu’une destination idéale. Utilisant mille compétences, l’artisan se doit de trouver cet idéal, puis façonner le bois pour révéler son véritable potentiel » – George Nakashima « Every sheet, every panel, every plank can only have one ideal destination. Using a thousand skills, the craftsman must find this ideal, then shape the wood to reveal its true potential » – George Nakashima. George Nakashima’s home in New Hope, Pennsylvania © Ezra Stoller George Nakashima and his daughter Mira in his workshop © DR Chaises Conoid et table Sanso © DR George Nakashima in his workshop © DR « Lorsque les arbres mûrissent, il est juste et moral qu’ils soient coupés pour l’utilisation de l’homme, car ils se décomposeraient bientôt et retourneraient sur terre quoi qu’il en soit. Les arbres ont le désir ardent de revivre, de fournir la beauté et la force, d’être utile à l’Homme, et peut-même de devenir un objet d’une grande valeur artistique » – George Nakashima “When trees mature, is is fair and moral that they are cut for man’s use, as they would soon decay and return to earth. Trees have a yearning to live again, perhaps to provide the beauty, strength and utility to serve man, even to become an object of great artistic worth” – George Nakashima. George Nakashima’s home in New Hope, Pennsylvania © Don Freeman George Nakashima, photograph by Jack Rosen, New Hope, Pennsylvania, ca. 1980. ©Michener Art Museum Archives, the George Nakashima Collection. Reconnu dans le monde du design dès les années cinquante, il est récompensé de la Craftmanship Medal de L’American Institute of Architects, en 1952, et d’une Médaille d’Or Nationale en 1962. Nakashima s’éteint à New Hope, en 1990, marquant le monde du design par sa conception particulière qui mêle le savoir-faire oriental et le travail de la matière… Le choix de son matériau de prédilection et la sobriété des formes donnent aux œuvres une intemporalité certaine. Son œuvre voyage aujourd’hui aux quatre coins du monde, comme il aimait le faire… allant du Metropolitan Museum of Art de New York, au Musée national d’Art Moderne de Tokyo, en passant par le Victoria and Albert Museum de Londres. Recognized in the design world in the 1950s, he was awarded with the Craftmanship Medal from the American Institute of Architects in 1952 and a National Gold Medal in 1962. Nakashima died in New Hope, in 1990, marking the world of design by his particular conception which mixes the oriental knowledge and the focus on the materials… The choice of his favorite material, wood, and the sobriety of the forms give the works a timelessness. His work now travels to the four corners of the world, as he loved to do … ranging from the Metropolitan Museum of Art in New York, to the National Museum of Modern Art in Tokyo, via the Victoria and Albert Museum in London. NAKASHIMA HIGHLIGHTS Disponible à la galerie / Available at the gallery Nous avons sélectionné 2 pièces iconiques de Nakashima pour compléter votre collection. We have selected 2 iconic Nakashima pieces in order to supplement your collection. George Nakashima (1905-1990) Console murale, 1968 Noyer H. 26 x L. 366 x P. 30.5 cm Wall console, 1968 American walnut H. 10.5 x W. 144 x D. 11.8 in. Provenance : Private collection, M. Robert Cash, Ft Lauderdale, FL, US George Nakashima (1905-1990) Console, 1968 Noyer H. 26 x L. 183 x P. 30.5 cm Console, 1968 American walnut H. 10.5 x W. 72 x D. 11.8 in. Provenance : Private collection, M. Robert Cash, Ft Lauderdale, FL, US Et quelques souvenirs… Some memories… © Laffanour Galerie Downtown George Nakashima Exhibition, 2007 © Laffanour Galerie Downtown

Histoire des grands architectes & designers : Pendant ce nouveau confinement, nous avons décidé de vous proposer l’histoire de plusieurs grands architectes et designers, afin de replacer leur importance dans l’histoire du design du XXème siècle. Il sera ainsi question de leur rôle en tant qu’artistes, de leurs inspirations et de leurs inventions. During the new French lockdown, we have decided to share the stories of several great architects and designers with you, in order to honor their importance in the history of 20th century design. It will thus be about their role as artists, their inventions and their inspirations. PART 1 « Rêves de Lumière » ISAMU NOGUCHI Isamu Noguchi, ca. 1945 © DR Isamu Noguchi est un artiste américain d’origine japonaise, qui sera toute sa vie partagé entre une profonde recherche sculpturale et une création diverse de mobilier et d’objets d’art ! Son œuvre reflète sa vie et son travail dans différents milieux culturels. Nous nous intéresserons spécifiquement à ses « lampes de papier » qui continuent de marquer des générations de collectionneurs. Isamu Noguchi is an American artist, with Japanese origins, who will be torn all his life between a deep sculptural research and a very diverse creation of furniture and works of art! His creations reflect his life and his work in different cultural settings. We will focus specifically on his “paper lamps” which continue to mark generations of collectors. © Felice Beato, Lanternes de papier, Japon, vers 1870, tirage argentique sur papier albuminé, rehaussé de couleur. La lanterne de papier japonaise est l’un des symboles ancestraux du pays. Il s’agit d’un objet qui a traversé le temps depuis le IXème siècle, en provenance de Chine tout d’abord ! Objet de bois, objet de pierre, elle devient très vite un objet symbolique de papier qui guide les ancêtres, venant du monde de l’ombre… Bien avant l’Ere Meiji (1868-1912), symbole de l’entrée du Japon dans le monde moderne, la tradition des lanternes de papier décorées est déjà ancienne. Au marché, on retrouve les marchands de lanternes, décorant aux pinceaux ces objets qui deviennent de véritables objets décoratifs transmettant des messages. The Japanese paper lantern is one of the country’s biggest ancestral symbols. It’s an object that has stood the test of time since the 9th century, first in China! Object of wood, object of stone, it very quickly becomes a symbolic paper object that guides ancestors, coming from the shadow world … Long before the Meiji Era (1868-1912), a symbol of Japan’s entry into the modern world, the tradition of customed paper lanterns goes back a long way. At the market, we find the lantern merchants, decorating with brushes those objects which become real decorative pieces telling messages. Affiche « Livorno Stagione Balneare » par Leonetto Cappiello, 1801 © DR En Europe, lors de l’Exposition Universelle de Paris en 1868, on découvre ces lampions fait de papier de riz, à l’aspect fort décoratif. Importé du Japon, à la forme simple et épurée, il devient très vite un des éléments caractéristiques de ce que l’on appellera le « japonisme » en France, en Europe et en Occident. Ce mouvement artistique influencé du Japon et de ses traditions transformera la peinture (les Nabis), la sculpture (Auguste Rodin), la photographie (Alfred Stieglitz) et même l’architecture (Frank Lloyd Wright). In Europe, during the Universal Exhibition in Paris in 1868, we discovered those lanterns made of rice paper, with a very decorative appearance. Imported from Japan, with a simple and refined form, it quickly became one of the characteristic elements of what we would call « Japonism » in France, Europe and the West. This artistic movement influenced by Japan and its traditions will transform painting (the Nabis), sculpture (Auguste Rodin), photography (Alfred Stieglitz) and even architecture (Frank Lloyd Wright). Vers 1900, le lampion de papier japonais est à son apogée : on le retrouve partout, présenté sous différentes formes ! Around 1900, the Japanese paper lantern was at its peak: it can be found everywhere, presented in such different forms! Isamu Noguchi with Kouros (1945) at Fourteen Americans, Museum of Modern Art, New York, September 10–December 8, 1946. Photo: Eliot Elisofon. ©INFGM / ARS Dans les années 1930-1940, Isamu Noguchi se perfectionne dans la sculpture. La découverte de Constantin Brancusi en 1926 fut déterminante pour lui, ainsi que son séjour dans son atelier parisien l’année suivante. Ressortent ainsi des pièces exceptionnelles, qui apparaissent – entre autres – dans le magazine du Surréalisme américain. Réalisées en pierre, ces sculptures abstraites sont imposantes et spectaculaires ! Son univers mêle subtilement les influences japonaises et la modernité occidentale. In the 1930s and 1940s, Isamu Noguchi improved his skills in sculpture. The discovery of Constantin Brancusi in 1926 was decisive for him, as well as his stay in his Parisian studio the following year. Exceptional pieces thus emerge, which appear – among others – in the magazine of American Surrealism. Made in stone, these abstract sculptures are imposing and spectacular! His universe subtly mixes Japanese influences and Western modernity. Aperçu de la vitrine de la galerie Steph Simon, ca. 1960 © Archives Steph Simon / Laffanour Galerie Downtown Galerie Steph Simon, ca. 1960 © Archives Steph Simon / Laffanour Galerie Downtown Steph Simon et Isamu Noguchi © Archives Steph Simon / Laffanour Galerie Downtown Les années 50 marquent un tournant. Tout change, tout se développe… Isamu Noguchi signe ainsi un contrat d’édition avec la Galerie Steph Simon (boulevard Saint Germain, Paris), pour la vente exclusive de ses luminaires, qui se retrouvent exposés parmi les meubles de Jean Prouvé et Charlotte Perriand, les luminaires de Serge Mouille, les céramiques de Georges Jouve, tout comme certains meubles modernes importés du japon ! La galerie Steph Simon fait alors découvrir ces luminaires sculptés aux parisiens, et cela devient rapidement un énorme succès national. Boules ou structures de papier sculptées, Isamu Noguchi créé plusieurs modèles « AKARI », qu’il signe de son symbole, un idéogramme au soleil et au croissant de lune. Ces lampes sont réalisées au Japon, à Gifu, où depuis des générations, l’on pratique la pêche à la lanterne, une structure de bois sculptée soutenant un papier de riz tendu… « Mon père, Yone Noguchi, est Japonais, et sa poésie est connue depuis longtemps comme étant la traduction de l’Orient pour l’Occident. J’aimerais faire de même avec la sculpture ». Dans l’univers du monde contemporain, ces boules de lumière suspendues semblent très vite avoir un écho avec certaines créations d’art contemporain, comme les sculptures suspendues de l’artiste américaine Ruth Asawa (1926-2013). The 1950s marked a turning point. Everything changes, everything develops… Isamu Noguchi thus signs a publishing contract with Galerie Steph Simon (boulevard Saint Germain, Paris), for the exclusive sale of his lights, which are exhibited among the furniture of Jean Prouvé and Charlotte Perriand , lightings by Serge Mouille, ceramics by Georges Jouve, as well as some modern furniture imported from Japan! Steph Simon gallery then introduced these sculpted lights to Parisians, and it quickly became a huge national success. Balls or sculpted paper structures, Isamu Noguchi creates several « AKARI » models, which he signs with his symbol, an ideogram with the sun and the crescent moon. These lamps are made in Japan, in Gifu, where for generations, lantern fishing was a tradition, using a carved wooden structure supporting stretched rice paper … “My father, Yone Noguchi, is Japanese, and his poetry has been known for a long time as the translation of the East for the West. I would like to do the same with sculpture « . In the contemporary world, these suspended balls of light very quickly seem to have an echo with certain contemporary art creations, such as the suspended sculptures by American artist Ruth Asawa (1926-2013). Ruth Asawa, installation view of “Ruth Asawa: Life’s Work,” 2018–19. Photo: © Alise O’Brien Photography, © Estate of Ruth Asawa, Courtesy The Estate of Ruth Asawa and David Zwirner Dessin préparatoire pour les sculptures lumineuses Issey Miyake © DR C’est aussi le cas dans l’univers de la Mode avec ces suspensions de papier dessinées par Issey Miyake en 2012. L’œuvre d’Isamu Noguchi est donc vouée à un langage très organique, qui influencera durablement le design des années 50. This is also the case in the Fashion world with these paper suspensions designed by Issey Miyake in 2012. His work is therefore dedicated to a very organic language, which has a lasting influence on the 1950s design. NOGUCHI HIGHLIGHTS Disponible à la galerie / Available at the gallery Nous avons sélectionné 5 luminaires iconiques de Noguchi pour compléter votre collection. We have selected 5 iconic Noguchi lights in order to supplement your collection. Isamu Noguchi, Suspension « Akari » n° 75 A, ca. 1960 Papier issu de la pâte de l’arbre Mino et structure métallique H. 60 x D. 72 cm “Akari” ceiling light n°75 A, Ca. 1960 Lampshade made of paper from Mino tree pulp and metallic structure H. 23.6 x D. 28.3 in Isamu Noguchi, Lampadaire « Akari », ca. 1960 Papier issu de la pâte de l’arbre Mino et structure métallique H. 110 x D. 85 cm ‘’Akari’’ floor lamp, Ca. 1960 Lampshade made of Mino tree paper, resting on 4 thin black tubular legs H. 43.3 x D. 33.4 in. Isamu Noguchi, Lampadaire « Akari » n° 25 N, ca. 1960 Papier issu de la pâte de l’arbre Mino et 4 pieds fins métalliques H. 115 x ø 70 cm ‘’Akari’’ floor lamp n° 25 N, Ca. 1960 Lampshade made of Mino tree paper, resting on 4 thin black tubular legs H. 45.2 x D. 27.5 in. Isamu Noguchi, Lampe à poser « Akari » n°5X, ca. 1960 Papier issu de la pâte de l’arbre Mino en forme de pyramide, 4 pieds en métal tubulaires H. 37 x L. 32 cm ‘’Akari’’ table lamp n° 5X, Ca. 1960 Lampshade made of Mino tree paper, resting on 4 thin black tubular legs H. 14.5 x D. 12.5 in. Isamu Noguchi, Suspension « Akari » n°15A, ca. 1960 Papier issu de la pâte de l’arbre Mino en forme de pyramide, structure métallique H. 28 x L. 90 cm ‘’Akari’’ suspension n° 15A, Ca. 1960 Lampshade made of Mino tree paper, metallic structure H. 11 x D. 35.4 in. Et quelques souvenirs… Some memories… Dior x Galerie Downtown, The Webster, Miami, USA (2017) © Emilio Collavino Dior x Galerie Downtown, Paris, France (2018) © Saskia Lawaks Galerie Downtown, Design Miami Basel, Switzerland (2018) © Galerie Downtown – Studio Shapiro Galerie Downtown, ASIA NOW Paris, France (2020) © Galerie Downtown – Studio Shapiro

Du 21 au 24 Octobre 2020.
SALON HOCHE
9, AVENUE HOCHE
PARIS 8ème

 

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COMMUNIQUÉ DE PRESSE

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12 septembre – 31 octobre 2020
Ouverture : samedi 12 septembre, 11h – 20h

Du 12 septembre au 31 octobre 2020, François Laffanour et la galerie Downtown vous invitent à découvrir des pièces de mobilier de 1955 à 1965, originaires de la ville moderne de Chandigarh en Inde, réalisées par l’architecte et designer Pierre Jeanneret (1896 – 1967).

Entièrement construite sous la houlette de Le Corbusier à la demande de Nehru et suite à la proclamation de l’indépendance de l’Inde et du Pakistan, la ville de Chandigarh, située au pied de l’Himalaya en Inde, est un exemple de modernité et d’innovation architecturale. Pierre Jeanneret est rapidement sollicité pour fournir aux nouveaux batîments publics et aux habitations privées, des ensembles de mobilier en accord avec cette architecture minimale.

De cette collaboration précieuse entre l’architecte Le Corbusier et son cousin designer Pierre Jeanneret, naissent des pièces iconiques, aux formes géométriques et minimalistes, avec une touche d’inspiration indienne (utilisation de matériaux locaux, d’essences de bois exotiques). Des consoles, des tables, des chaises, des fauteuils forment un ensemble cohérent, indéniablement lié à Chandigarh et son architecture. Environ 25 pièces seront présentées à la galerie cet automne, dont certaines font preuve d’une grande rareté sur le marché.

 

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PHOTOGRAPHIES

La galerie Downtown est heureuse de présenter une exposition de l’artiste français Richard Texier. Intitulée Lumière, elle se tient du 27 novembre au 28 décembre et rassemble une sélection d’œuvres lumineuses issues du bestiaire des Arbres de Vie, créés par l’artiste depuis plus de trente ans.
Pour cette exposition la galerie Downtown a choisi de réunir les luminaires et candélabres en bronze, qu’il a développés pour son usage personnel, à partir des années 2000.

Du 7 au 15 Mars 2020.
Maastricht.

 

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COMMUNIQUÉ DE PRESSE

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PHOTOGRAPHIES

 

 

ÉVÈNEMENTS

Marlène
© Marlène Delcambre

 

Marlène
Olivier Urman : La baignoire
© Marlène Delcambre

 

Olivier Urman : La baignoire
© Marlène Delcambre

 

Olivier Urman : La baignoire
© Marlène Delcambre

 

Olivier Urman : Merveilleuse mère nature (la dame rouge)
© Marlène Delcambre

 

Olivier Urman : Merveilleuse mère nature (la dame rouge)
© Marlène Delcambre

 

Olivier Urman : Merveilleuse mère nature (la dame rouge)
© Marlène Delcambre

 

Olivier Urman : Le buste de notable , surnommé Karl Marx

 

Olivier Urman : Le buste de notable , surnommé Karl Marx

 

Marlène
© Marlène Delcambre

 

Séance de Yoga matinale

 

Séance de Yoga nocturne

 

Séance de Yoga nocturne

 

Séance de Yoga nocturne

 

Petit-déjeuner

 

Petit-déjeuner

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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PHOTOGRAPHIES

 

Beaucoup connaissent le fauteuil « grand confort » de Le Corbusier et, pourtant, peu savent que ses traits iconiques sont l’oeuvre de l’architecte et designeuse Charlotte Perriand qu’une rétrospective, Le monde nouveau de Charlotte Perriand, oeuvre à réhabiliter à la Fondation Louis Vuitton. Le biographe de l’artiste et commissaire de cette exposition, Jacques Barsac, publie le quatrième et dernier tome de son oeuvre complète tandis que le galeriste et collectionneur François Laffanour se focalise sur son mobilier d’intérieur dans Living with Charlotte Perriand.

Richard Texier

« Lumière »

27 Novembre – 28 Décembre 2019

La galerie Downtown est heureuse de présenter une exposition de l’artiste français Richard Texier. Intitulée Lumière, elle se tient du 27 novembre au 28 décembre et rassemble une sélection d’œuvres lumineuses issues du bestiaire des Arbres de Vie, créés par l’artiste depuis plus de trente ans.
Pour cette exposition la galerie Downtown a choisi de réunir les luminaires et candélabres en bronze, qu’il a développés pour son usage personnel, à partir des années 2000.

Cette typologie d’œuvres, fait la part belle aux jeux entre le monde animal, le monde imaginaire et la lumière.

 

 

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PHOTOGRAPHIES

FIAC 2019

Stand D.48
17 – 20 octobre 2019
Grand Palais
75008, Paris

 

FIAC Hors les murs 2019

Jean Prouvé
Maison démontable 6X9, 1946

15 octobre – 14 novembre 2019
Place de la Concorde
75008, Paris

 

FIAC Hors les murs 2019

Richard Jackson
Sculpture « Beer Head Bear », 2005

14 octobre – 11 novembre 2019
Jardin des Tuileries,
Paris 75008

 

FIAC Hors les murs 2019

Richard Jackson
Car Wash project, result NR 3, 2016

15-20 octobre 2019
Avenue Winston Churchil (devant le Grand Palais),
75008, Paris

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COMMUNIQUÉ DE PRESSE

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PHOTOGRAPHIES (GRAND PALAIS)

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PHOTOGRAPHIES (HORS LES MURS)

Living with Charlotte Perriand

26 septembre – 2 novembre 2019

Laffanour Galerie Downtown
18 rue de Seine
75006, Paris

À l’occasion de la sortie du livre Living with Charlotte Perriand, dans lequel François Laffanour célèbre 40 ans de galerie et en parallèle de la rétrospective qui sera consacrée à Charlotte Perriand à la Fondation Louis Vuitton en octobre 2019, la Galerie Downtown présente une nouvelle exposition sur Charlotte Perriand en septembre 2019.

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PHOTOGRAPHIES DE L’EXPOSITION

Crédit photographique : Studio Shapiro

À l’occasion de l’exposition The Italian Design : A radical Turbulence,
François Laffanour a été interviewé dans l’émission « Chercheurs d’Art » sur BFM TV.

 

 

 

Living with Charlotte Perriand (Parution)

 

 

COMMANDER 

 

 

 

 

Living with Charlotte Perriand est un ouvrage de référence dans lequel François Laffanour a souhaité célébrer 40 ans de travail avec les collectionneurs du mobilier de Charlotte Perriand.

 

 

En explorant les intérieurs de collectionneurs du monde entier, François Laffanour démontre leur attachement à ces créations intemporelles devenues iconiques.De la table « forme libre » aux bibliothèque « nuage », Charlotte Perriand a su initier le décor contemporain et accompagner les nouveaux usages et pratiques domestiques globales.

 

 

Cette fascination de François Laffanour pour le travail de Charlotte Perriand, cette ambition de le partager et de le défendre auprès des plus grands collectionneurs a débuté au Marché aux puces de Saint Ouen en 1979 avant qu’il ouvre la galerie du 18 rue de Seine, en 1982. Il n’est pas étonnant de constater dans cet ouvrage que les collectionneurs d’Art Contemporain sont également les premiers collectionneurs du mobilier de Charlotte Perriand. Ces derniers apprécient les formes minimales, la subtilité et la puissance avec lesquelles Charlotte Perriand a su travailler tout au long de sa vie les différents bois qui se retrouvent transformés en de véritables sculptures, comme ces bureaux ‘en forme’, réalisés en pin au sortir de la guerre.

 

 

En s’intéressant dès le début à faire redécouvrir les grands créateurs des années 50, à commencer par Charlotte Perriand et Jean Prouvé, François Laffanour a été porté par une intuition et une conviction : qu’il lui fallait les défendre, les présenter et les mettre en scène magistralement et subtilement dans les foires et salons du monde entier afin de convaincre d’abord les collectionneurs les plus exigeants. Ce livre est la preuve que la première vertu d’un grand marchand est de transmettre et de valoriser le talent des grands créateurs. On ne peut que se féliciter de voir la variété et l’excellence du travail de Charlotte Perriand dans de si beaux environnements.

 

 

C’est à travers ce regard sur les différents meubles de Perriand que François Laffanour a su subtilement les présenter, à la galerie pour ses expositions, lors de foires internationales pour des présentations éphémères et qui a été repris par ses collectionneurs tout au long de ces années.

 

 

Hall 1 Süd, Messe Basel, Messeplatz
Basel, Switzerland
Stand : G05

11 – 16 juin 2019.

Plus d’informations : http://basel2019.designmiami.com

 

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Photographies

The Italian Design: A Radical Turbulence

(1950-2010)

16 mai – 22 juin 2019

Laffanour Galerie Downtown
18 rue de Seine
75006, Paris

Le design italien de la période d’après-guerre est marqué par un changement significatif avec celui de l’entre-deux-guerres. Toute une génération de jeunes créateurs (designers, architectes, graphistes..) apparue dès les années 60, comprend que la transformation du monde ne s’apprend pas dans les universités, les écoles d’art ou d’architectures mais par la formation de groupes de création qui vont changer l’approche des choses.
Le quotidien, l’objet, l’espace sont perçus de manières totalement différentes, souvent ludiques, où il s’agit de réinventer les formes et la fonction et d’expliquer la nouvelle manière de les percevoir.
Les couleurs, les formes, l’aspect premier de l’objet, du meuble, sont redessinés, parfois tournés en dérision par des designers comme Gaetano Pesce, Ettore Sottssas ou des groupes comme Superstudio et Archizoom. Nous sommes dans une approche radicalement différente de ce qui s’est fait par le passé et qui va s’étendre jusque dans les années 80-90.
De ce foyer innovant de jeunes créateurs, il ne faut néanmoins pas oublier de présenter certains acteurs incontournables de cette époque qui ont eu une autre approche du design et ont aussi fait évoluer les choses à leurs manières : Gio Ponti, Carlo Mollino ou encore Joe Colombo et Gino Sarfatti.

Après différentes expositions organisées par la galerie Downtown sur la présentation et la redécouverte du DESIGN : design japonais (‘Made in Japan’), Design brésilien (‘Tropicalism’), la galerie présentera ici une période importante du design italien.

Une sélection de pièces de tous ces designers sera présentée à la galerie lors de cette exposition qui se tiendra à la galerie.

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© Pierre-Yves Queignec

© Pierre-Yves Queignec

© Pierre-Yves Queignec

© Pierre-Yves Queignec

Du 3 au 7 mai 2019
New York

 

Communiqué de presse

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Photographies

PAD Paris
Du 3 au 7 Avril 2019.
Les Tuileries, Paris.

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Communiqué de presse

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Photographies

Du 16 au 24 Mars 2019.
Maastricht.

 

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COMMUNIQUÉ DE PRESSE

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Photographies

Informations

5 – 9 décembre 2018
Stand #G10
Meridian Avenue & 19th Street
Miami Beach, États-Unis

Site officiel
 

 

Photographies

 

Le designer nancéien Jean Prouvé à l’honneur à la FIAC 2018

CHARLOTTE PERRIAND

Vernissage : Jeudi 1 novembre 2018, 18:00 – 20:00 pm

Venus Over Manhattan
980 Madison Avenue
New York, NY 10075

Laffanour / Galerie Downtown, Paris is pleased to present an exhibition dedicated to the life and work of Charlotte Perriand, organized in collaboration with Venus Over Manhattan, New York. The presentation will represent the largest exploration of Perriand’s production to be staged in New York, comprising some fifty works that span the full breadth of Perriand’s nearly eight-decade career. Staged in advance of a number of major institutional exhibitions dedicated to her career, and presented on the heels of the Centre Georges Pompidou’s “L’UAM, Une aventure moderne”, which prominently featured Perriand’s work, the presentation will be on view beginning November 1st.

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PHOTOGRAPHIES

FIAC 2018

18 – 21 Octobre 2018
Grand Palais et Hors les murs (Place de la Concorde)

 

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COMMUNIQUÉ DE PRESSE

-> FIAC Hors les murs 2018, Pavillon scolaire pour l’institut Fènelon (1958) – Communiqué de presse au format PDF

Plus d’infos : http://www.fiac.com

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PHOTOGRAPHIES (FIAC – GRAND PALAIS)

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PHOTOGRAPHIES (FIAC Hors les murs – Place de la concorde

Laffanour Galerie Downtown, Paris
18 rue de Seine, 75006. Paris

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COMMUNIQUÉ DE PRESSE

–> télécharger le communiqué de presse (FR)

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PHOTOGRAPHIES

Hall 1 Süd, Messe Basel, Messeplatz
Basel, Switzerland
Stand : G05

Juin 12 – 17 2018.

Plus d’informations : http://basel2018.designmiami.com

 

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Charlotte Perriand, Banquette, 1966
Structure à deux pieds en acier poli, assise et dossier en lattes de bois
H. 73 x L. 143 x P. 80 cm

 

Iizuka Rokansai, Hanakago (vase pour l’ikebana), Ca. 1930
Bambou susudake (bamboo fumé) Tomobako (boîte d’origine signée par l’artiste)

 

 

Le Japon à l’honneur

 

Kenzo Tange, Chaise, 1957
Chaise moulée en hêtre, dos en bandeau, assise tapissée du tissu d’origine en lainage vert/jaune
H.77 xL.52 xP.54cm
Isamu Noguchi, Ensemble de suspensions « Akari », Ca. 1960
Abat-jour circulaire en papier issu de la pate de l’arbre Mino (murier)
Idéogramme rouge Soleil et Lune
Edition Ozeki Company, Gifu, Japon

 

Charlotte Perriand, Fauteuil en peau, Ca. 1946
Bois exotique
Dimensions : H 81 x L 66 x P 56 cm

 

DESIGN AT LARGE

LAFFANOUR–GALERIE DOWNTOWN PRÉSENTE ‘DUJARDIN’ PAR GAETANO PESCE

 

 

En 1994, le talentueux designer italien Gaetano Pesce est chargé de créer l’architecture et l’intérieur du magasin pour enfants Dujardin sur la côte belge Knokke-Le-Zout. Cette occasion a permis à Pesce d’allier à nouveau l’utilité et la joie, l’art et le design, l’esthétique et la fonctionnalité.
Au cœur de Deauville du Nord, l’architecte nous offre l’essence de sa recherche artistique avec une succession de couleurs, de lignes, de formes et de matériaux parfaitement représentatifs de son travail, son sens de l’humour, son style et ses idées novatrices.
Cette architecture ludique, riche et colorée conserve son utilité, mais elle est armée d’une nouvelle fonction. Il ne s’agit plus seulement de concevoir des formes industrialisées, car le design de Gaetano Pesce devient le véritable support d’un discours artistique, politique ou social.
Toujours soucieux de bousculer les codes et les idées communes, Pesce continue de nous surprendre près de 24 ans après la création du magasin Dujardin.
Galerie Downtown-François Laffanour est ravi de vous faire découvrir pour la première fois son architecture d’intérieur pour Dujardin Store lors de Design/ Miami, Bâle.

 

 

Photographies

 

Du 4 au 8 mai 2018
New York, USA.

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Communiqué de presse

–>Communiqué de presse (PDF)

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PHOTOGRAPHIES DE L’EXPOSITION

Image credit: Saskia Lawaks.

 

Du 10 au 18 Mars 2018.
Maastricht.

 

 

Photographies

 

Forthcoming Exhibition

Freeform

2 February – 29 March 2018

Timothy Taylor is honoured to present Freeform, an exhibition of works by Jean Dubuffet, Simon Hantaï and Charlotte Perriand. Presented is a meeting of art and design through a dialogue of formal structure and organic forms, as defined by three French pioneers working across mediums of painting, sculpture and furniture.

Driven by egalitarian and populist ideals, Charlotte Perriand believed that considered design could have a positive impact on everyday life and, in turn, on society at large. Having rejected the established Beaux-Arts style as a student, Perriand joined Le Corbusier’s studio at the age of 24, which allowed her to pursue an approach to Modernism that brought together both intellectual and material values.

It was following her work with Le Corbusier that Perriand started to develop her ‘Free-Form’ furniture, which harnessed a powerful new approach to design. Taking forms inspired by objects in nature, Perriand generated furniture that was functional, true to raw materials, and responsive to human gestures and interactions. The wooden tables from this period were de ned by organic contours, or geometric shapes softened with rounded corners, which avoided collisions in small spaces. The positioning of the legs closer to the centre also took into consideration the ergonomics of people’s knees when sat at the table.

 

 

The first ‘Free-Form’ table emerged in 1954, shaped in response to Perriand’s small Montparnasse studio. As Perriand’s biographer Jacques Barsac explains, “the Free-Forms themselves demonstrated a poetic functionalism on the human scale in which each form was rigorously tailored to its use and its production method, while retaining a freedom of composition.”

Whilst Perriand was compelled by conscious design and an awareness of surroundings, Jean Dubuffet’s output was largely driven by a productive unconscious. Each of the sculptures exhibited is connected to Hourloupe, Dubuffet’s longest cycle, which first appeared in 1962 and continued through to 1974. Initially executed on paper, Dubuffet’s adventures in automatism resulted in drawings and paintings made up of multiple cells, where each space comes to life both as an individual element, and as a component within a larger structure.

As the Hourloupe series progressed, the images became more corporeal and quickly developed into vast polystyrene sculptures, a material which Dubuffet favoured as it allowed “the light to emanate from the strata”. Though denying an apparent thought process in the initial design, Dubuffet explained how he wanted to give “monumental dimensions to these unrestricted graphics, these graphics that escape from the paper’s surface which usually serves as a support”. In this translation of works on paper into three-dimensional space, Dubuffet wanted to activate a cerebral response where the viewer was not only in front of but inside the image; being integrated in, and directly confronted by, the forces of fantasy and reality. The resulting sculptures engage with notions of nature and artifice. The clean colours and linear outlines retain a connection to graphic drawing, whilst the physical presence engages a hybrid aesthetic that sits between landscape and architecture.

A defining characteristic of the Hourloupe cycle was the manifestation of a belief that there is continuity between objects, places and figures, much like Simon Hantaï ’s Meun paintings which were developed through his ‘pliage’ technique and resulted in bold, amorphous, images of chance.

In 1960, Hantaï first developed ‘pliage’, a technique where the canvas is crumpled and folded, then doused in colourful paint. Later, as the canvas is unfolded, the work is revealed for the first time, with areas of positive and negative space having been determined by the element of chance inherent to this technique. Hantaï explained how he tied the canvas “in the four corners, big knots, and in the middle of the crude bag a string which strangles it”. Unlike the initial ‘pliage’ works, there is no centre or axis in the Meuns; the form is liberated and left open to interpretation with the bold resulting images hinting at a figure, whilst also carrying the spontaneity of their conception.

The Meun paintings followed a year long ‘silence’ during which Hantaï retreated from the Parisian art world, and abstained from painting. In 1966, a move to Meun – a small village in the Fontainbleau Forest – broke this hiatus through the regenerative impact of a new environment, an unfamiliar studio and excellent light, allowing for a surge in energy to develop ‘pliage’. As Hantaï explained, “folding came out of nothing. You simply had to put yourself in the place of those who had never seen anything; put yourself in the canvas. You could ll a folded canvas without knowing where the edge was. You have no idea where it will stop.”

Notes to Editors

Charlotte Perriand

Considered one of the most influential figures in design and architecture from the early Modern movement, Charlotte Perriand (1903-1999) was instrumental in introducing the ‘machine age’ aesthetic to interior design through the steel, aluminium and glass furniture she created at Le Corbusier’s studio in the late 1920s and 1930s. Following this, Perriand continued to experiment with different materials; developing functional furniture for the masses which perfectly balanced utility and beauty.

Perriand’s acclaimed designs include the LC2 Grand Comfort chair and the B306 chaise longue. She has been celebrated through retrospectives at the Design Museum, London and Musée des Arts Décoratifs, Paris.

Simon Hantaï

Born in Bia, near Budapest, in 1922, Simon Hantaï emigrated to France in 1948, where he lived and worked until his death in 2008. Hantaï enjoyed great success in France during his lifetime, culminating in his representing France at the Venice Biennale in 1982. In 2013 the Centre Pompidou, Paris, mounted a major retrospective of Hantaï’s career, which brought his significant artistic contribution to a new and responsive audience. In 2014 further retrospectives were staged in Europe – at the Ludwig Museum in Budapest and the Villa Medici in Rome.

Hantaï’s work is held in public and private collections internationally, including the Musée d’art Moderne de la Ville de Paris; Centre Pompidou, Paris; Museum of Modern Art, New York; and the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington.

Jean Dubuffet

Well-known for founding Art Brut – art produced outside of the confines of academic art – Jean Dubuffet (1901-1985) championed the need to continually question the established conditions of art, culture and society. Throughout his life, Dubuffet consistently challenged the canon and convention, and for this reason, his work and ideas remain compelling and relevant.

In his lifetime, Dubuffet was the subject of twelve major museum retrospectives including The Museum of Modern Art (1962); Tate, London (1966); Stedelijk Museum, Amsterdam (1966); and the Solomon R. Guggenheim Museum (1973, 1981). Dubuffet’s work can be found in more than fifty public collections worldwide.

Laffanour Galerie Downtown, Paris, specialise in furniture by European and American pioneers of design from the 20th Century, and have contributed to this exhibition with a selection of original pieces by Charlotte Perriand.

Intérieur de la galerie Steph Simon, ca. 1960

 

PHOTOGRAPHIES DE L’EXPOSITION

Image credit: Sylvain Deleu. Courtesy Timothy Taylor London/New York.

 

La galerie Downtown François Laffanour, en collaboration avec Dior Homme et The Webster, a organisé un diner privé pour célébrer le lancement de la collection Black Carpet et Art Basel Miami Beach.

Le diner a eu lieu en présence de Kris Van Assche, Laure Hériard Dubreuil et François Laffanour.
Pour marquer l’évènement, le Webster accueillait une installation des sculptures lumineuses Akari de l’artiste americano-japonais Isamu Noguchi. Appartenant à la galerie Downtown, ces lampes ont été customisées pour l’occasion à partir de photographies de fleurs de Kris Van Assche, appliquées à la façon d’un collage de rue urbain. Ces lampes seront exposées à la boutique Dior Homme du Design District de Miami, pendant la durée de Art Basel Miami Beach.

Parmi les invités, Asap Rocky, Woodkid, Ricky Martin, Jwan Yosef, Cordell Broadus, Mia Moretti, Olivier Dwek, Hubert Bonnet, Rodman Primack, Adam Lindemann, Alexandra Roos, Stefano Tonchi et Amy Astley.

Crédit photo : Saskia Lawaks et Emilio Collavino

Info

Dec 6 – 10 2017
Booth #G13
Meridian Avenue & 19th Street
Adjacent to the Miami Beach Convention Center
Miami Beach, USA

Official website

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Communiqué de presse

–>Communiqué de presse (PDF)

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Photographies du stand

 

François Laffanour sur TV5Monde dans l’émission « Chercheurs d’art »

Laffanour Galerie Downtown, Paris
18 rue de Seine, 75006. Paris

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PHOTOGRAPHIES DE L’EXPO

 

FIAC 2017

19 – 22 Octobre 2017
Grand Palais – Stand 0.D46

 

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Communiqué de presse/Press kit

–> Communiqué de presse (PDF – français)

 

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Plus d’infos : http://www.fiac.com

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PHOTOGRAPHIES DU STAND

 

Grand Palais
Avenue Winston Churchill
Paris, France

11 – 17 septembre 2017.

Site officiel : http://www.biennale-paris.com

 

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Au cours de l’année 2016, l’oeuvre architecturale de Le Corbusier a été reconnue Patrimoine mondiale de l’UNESCO. Pour cet évènement, François Laffanour, lui rendra hommage lors de la Biennale des Antiquaires 2017 au Grand Palais, à travers une scénographie spécifique. Celle-ci mettra en avant une sculpture exceptionnelle de Le Corbusier entourée de pièces importantes d’acteurs majeurs des années 50, proches de Le Corbusier : Charlotte Perriand, Jean Prouvé et Pierre Jeanneret.

En parallèle de l’architecture, Charles-Edouard Jeanneret dit Le Corbusier (1887-1965) fut aussi un grand peintre qui fut chef de le du mouvement puriste. Pour ce qui est du mobilier qu’il a créé, il existe très peu de choses. Beaucoup correspondent en grandes partie aux éditions faites des années 20 aux années 50 auxquels s’ajoutent certains meubles réalisés pour des commandes spéciales, souvent en série. Après avoir présenté deux rares tapisseries conçues autour de 1950, la galerie exposera la sculpture ‘Ozon Opus I’, réalisée en 1947 et conservée dans la famille de son ébéniste et ami : Joseph Savina. En bois polychrome, monogrammé et daté, cette oeuvre majeure porte le nom du village pyrénéen : Ozon, où Le Corbusier s’était replié en 1940.

Pour ce qui est de Jean Prouvé (1901-1984), esprit multiple, à la fois ingénieur et constructeur, il sera présentée une exceptionnelle étagère à crémaillères formant bureau qui fut réalisée en 1951, pour la Villa Dollander, à Saint-Clair. Jean Prouvé s’est avant tout attelé à l’industrialisation d’éléments de construction préfabriqués. Néanmoins il s’est aussi beaucoup intéressé à la réalisation d’un mobilier fonctionnel et accessible à tous, créant des meubles standards tout comme des commandes spéciales.

De Charlotte Perriand (1903-1999), créatrice emblématique des années 50, femme libre et engagée, elle a toujours réfléchi à la conception d’un mobilier aux lignes modernes tout en respectant les techniques et les matériaux traditionnels. Une des ses réalisations phares : la table de « Forme libre » sera exposée. Elle a appartenu à un grand architecte de la Reconstruction qui l’acquit en 1960 auprès de la galerie Steph Simon.

Plusieurs pièces iconiques de Pierre Jeanneret (1896-1967), bras droit de Le Corbusier mais aussi son cousin, accompagneront également des pièces importantes, comme une très belle suspension de Serge Mouille (1922-1988) qui fut une commande spéciale.

L’ensemble sera présenté dans une mise en scène inscrite dans la tradition architecturale qui fait la renommée des présentations de la galerie Downtown.

 

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Communiqué de presse/Press kit

–> Communiqué de presse (français)
–> Press Kit (english)

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PHOTOGRAPHIES DU STAND

 

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Nous sommes heureux de vous annoncer notre collaboration avec la galerie Nicholas Hall, spécialisée dans les Tableaux de Maîtres Anciens à New York. Bien que l’association de mobilier du XXème siècle et de peinture contemporaine soit populaire depuis de longues années, pour la première fois un marchand d’art mélange maîtres européens de la peinture et de la sculpture avec du mobilier des années cinquante. L’association de ces deux formes d’art démontre que les tableaux anciens sont intemporels dans un décor moderne et, inversement le mobilier s’inscrit dans la grande histoire de l’art via le dialogue avec les tableaux et les sculptures de maîtres anciens.

NICHOLAS HALL
17 East 76th Street
New York, New York 10021
+1 212 772 9100
info@nicholashjhall.com

Website: http://www.nicholashjhall.com

Photos

Hall 1 Süd, Messe Basel, Messeplatz
Basel, Switzerland
Booth: G05

From June 13th to June 18th 2017.

More info: http://basel2017.designmiami.com

 

Communiqué de presse/Press kit

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PHOTOGRAPHIES

Robert Wilson : Glass Work

Par Françoise Guichon

Robert Wilson passionné par le verre…, désireux de s’y essayer… C’est ce que m’apprenait en 1994 un message de Paula Cooper, contactée pour un autre projet.
Robert Wilson occupe une toute première place au panthéon des artistes qui, au début des années 70 ont, en France, changé le regard d’une génération, et cela bien au delà du théâtre. Il fut, avec Trisha Brown, l’un des premiers contacts marquants que nous ayons eu avec l’avant garde américaine.
Invité par Jack Lang en 1971 il crée à Nancy « Le Regard du Sourd », spectacle de sept heures présenté quelques mois plus tard à Paris. Pour ma part, c’est à Annemasse que je le découvrais en 1974 avec « Lettre à la Reine Victoria ». C’était deux ans après la « Documenta de 72 ». Les chocs intellectuels et émotionnels ressentis à Kassel trouvaient dans la dimension onirique du temps et espace propre à son univers comme une mystérieuse et fascinante résonnance intérieure. En 1976 ce fut, à Avignon, l’éblouissement de « Einstein on the Beach » et, depuis, et jusqu’à ce jour, tant de créations inoubliables qui ne cessent de surprendre là où, comme c’est le cas pour un vieil ami, nous pensions déjà tout connaître. Car si Bob Wilson est le maître des structures les plus simples, il est aussi celui des variations, des nuances infinies que l’on peux y apporter, de la subtile alliance des contraires et des renversements, ce que nous verrons dans son travail avec le verre.
Lorsque j’appris que Bob Wilson était intéressé par le verre au point de souhaiter s’y confronter ma surprise fût grande et je m’empressais de lui dire que, quoi qu’il désire faire, et même s’il n‘en avait aucune idée, le CIRVA serait heureux de se mettre sans réserve à sa disposition. Pendant plus de dix ans, de 1994 à 2005, il fréquenta avec assiduité l’atelier, autant que ses déplacements incessants aux quatre coins du monde le lui permettaient, quelques jours, un week end, parfois presqu’une semaine et cela une ou deux fois par an. L’ensemble des pièces furent réalisées en sa présence et si elles sortaient du four après son départ, sans qu’il ait pu les voir, il les découvrait à son retour, en dirigeait la finition jusqu’au dernier détail, la coupe, le polissage, le traitement de surface. Enfin, lorsqu’elles purent être toutes rassemblées, il les examina très longuement avant de prendre la décision de les garder ou non.
Avant sa venue à Marseille, il avait eu l’occasion de voir travailler Lino Tagliapietra, le plus célèbre de part le monde des maîtres verriers originaires de Murano. Il en admirait l’extraordinaire virtuosité, appréciait la légèreté et la tension des formes qu’il avait crées et qui, aujourd’hui, sont copiées sans réserve comme si elles faisaient partie du patrimoine de Murano depuis toujours. La précision des gestes et des déplacements de Lino, alliée à une concentration extrême, avait tellement impressionné Bob Wilson que parfois il se plaisait à l’imiter faisant ainsi entendre en un éclair à son interlocuteur là où se situait sa connivence avec le maestro.
Lino Tagliapietra venait alors régulièrement travailler au CIRVA. Sa collaboration était pour notre petite équipe comme pour les artistes invités une immense joie et un appui infiniment précieux.
Les premières séances de travail de Bob Wilson virent donc la rencontre, pleine de respect réciproque, de deux « monstres sacrés » venus de domaines apparemment bien éloignés l’un de l’autre. Face aux fours, royaume de Lino, Bob avait planté son sketch board. Armé de pastels gras de couleur il dessinait des vases ou plus exactement des tourbillons de lignes qui, autour d’un axe invisible concentraient l’énergie de spirales qui finissaient par faire corps.
Pour Bob Wilson la danse est au cœur du vivant comme de son œuvre. Observant les déplacements de Lino et de ses assistants, leurs va et vient incessants du four au banc qui dessinaient au sol comme une arabesque invisible, les mouvements de la canne balancée dans l’espace, dressée, puis abaissée avant d’être remise entre les mains du maestro assis à son banc de soufflage pour pouvoir tourner horizontalement la paraison de verre, les gestes, incompréhensibles pour un profane, de sa main calfeutrée de papier mouillé ou prolongée d’outils de bois ou de métal, les moments d’attente et d’immobilité qui soudain viennent rompre l’extrême vivacité du tempo, la répétition des mêmes gestes, enfin tout dans ce ballet, portait Bob Wilson a s’approprier cette matière inconnue, par le biais du geste et du mouvement.
Avec ses premiers dessins, tourbillon de lignes générant une forme comme sui generis, sans doute pensait-il pouvoir transcrire directement dans la matière, l’énergie émanant de cette grande mécanique. Il ne mesurait pas que chacun de ces gestes précis, s’inscrivaient avec la même précision dans la matière sans qu’aucune place ne soit laissée à la spontanéité. Il ignorait alors qu’introduire de la liberté dans ce processus parfaitement réglé est la chose la plus invraisemblable que l’on puisse envisager de réaliser et de réussir. La part de liberté autorisée par le verre soufflé se cantonne à des interventions de détail ou de décor. Introduire de la dissymétrie, là où règne la symétrie, déstabiliser l’intégrité d’une forme que tout tend à porter à sa perfection demande des trésors de ruse et d’invention.
Bob Wilson fut déçu par les résultats obtenus. Les enroulements de verre avaient perdus toute spontanéité, leur mouvement s’était crispé, était devenu maladroit et, de l’accumulation des lignes, naissait l’idée d’une confusion et non l’élan d’énergie attendu.
Il abandonna sa première approche réalisant que les règles imposées par la matière et par le métier devaient être prises pour ce qu’elles sont. Pour arriver à ses fins il fallait les apprivoiser ou les contourner. C’est ce que fit lorsque, plus tard, il trouva, avec le « concept n° 7 », une solution toute wilsonienne à son projet initial.
Il demanda au souffleur d’enrouler un large ruban, et non plus un mince fil de verre, autour d’un cylindre creux puis de l’écraser, en le faisant rouler sur une plaque de métal, pour faire entrer cet enroulement sauvage dans l’épure parfaite d’un plus grand cylindre. La tension entre liberté du geste et stricte géométrie était là, rendue à son maximum.
Entre temps, grâce à cette première tentative infructueuse, Bob Wilson avait compris ce qu’est l’essence du travail du verre : la mise en forme d’une matière en fusion tirée d’un creuset au bout d’une canne, incandescente, mouvante et instable et qui, en quelques secondes, se fige en une forme immobile, définitive. Ainsi initié il était libre d’explorer, avec ce nouveau media, et donc sous de nouvelles formes, les invariants de son travail : tension fondatrice entre mouvement et immobilité, entre ce qui se transforme et ce qui demeure, entre ombre et lumière. Il avait trouvé avec le verre, une matière sœur.
Il ne fit plus de grands dessins et les pastels de couleur furent rangés. De petits croquis indiquaient au souffleur la forme souhaitée, un trait de crayon noir estompé au doigt avec la plus grande attention précisait son volume, la nature de sa surface, mais surtout l’esprit vers lequel il devait tendre.
Voilà ce que Bob Wilson écrivait il y a un an alors que je l’interrogeais, bien tard, sur son attachement à la céramique et au verre :
“I like ceramics because I think it must be beautiful to work with clay and earth in one’s hands, but I much prefer glass. The heaviness and the lightness can be extreme. I like the strictness of the curved line as it is seen in geometry.
There are only 2 lines: curved and straight. That is a part of classical construction: buildings/trees, protagonist/antagonist. Time for me is a line that goes from the center of the earth to the heavens. Space is a horizontal line. This cross is the basic architecture of everything. It is the stripe of Barnett Newman, a piano key being played, the drip of milk in a Vermeer painting, or Jesus Christ on a cross. Robert Mapplethorpe’s photographs are based on the vertical and the horizontal, or a triangle that can be drawn from the top center to the edges of the bottom.“
Les soixante dix sept vases soufflées au CIRVA, comme les pièces coulées, destinées au sol, sont chacun et chacune l’expression de ce propos qui donne à entendre ce qui attache si fort Bob Wilson à ce matériau.
Il explore pièce après pièce, les variations des principes énoncés dans ces quelques mots et les organise, à postériori, par famille, en « concepts » qu’il numérote sans observer la chronologie de leur ordre d’apparition. C’est en effet une œuvre conceptuelle et sensible, qui participe entièrement de son univers, qu’il a produit avec le verre pendant les dix années où il est venu travailler au CIRVA.
Courbe et ligne droite sont là, dans tous les vases en verre soufflé et dans toutes les pièces au sol faites de verre coulé et plein. La courbe se développe dans la verticalité et se transforme en ligne droite horizontalement, en leur sommet pour les premiers et, inversement, à leur base pour les seconds. Le passage entre horizontale et verticale se joue différemment selon les concepts. La courbe du concept n°6, mis au point avec un verre très fin par Lino Tagliapietra, se transforme en ligne droite dans l’axe vertical avant de se retourner à angle droit autour d’une ouverture minimum, prouesse de savoir faire bien que rien n’y paraisse. Ailleurs, la savante simplicité de la courbe, plus ou moins ronde ou ovalisée, se renverse avec douceur lorsque retournée à la main ou, s’interrompt brutalement lorsque le haut du vase est coupé à la scie et révèle sur sa tranche l’importance de son épaisseur.
Le verre peut, indifféremment, être fin ou épais rappelle Bob Wilson. Chacune de ses pièces explore cette bivalence qui pourrait sembler être une donnée presque anodine si tant d’autres propriétés n’en dépendaient pas.
C’est le cas pour l’une d’entre elles dont Bob Wilson ne parle pas. Peut être lui est-elle tellement familière et façonne t-elle si profondément sa conception de l’espace qu’il oublie d’en faire état ? Cette propriété du verre, qui le rend si proche de son univers est la capacité qu’il a de transmettre et de refléter simultanément la lumière, d’être transparent ou opaque, Il ne fait pas état non plus non d’une autre capacité liée à la précédente, celle de diffuser la couleur tout en la retenant pour partie et de créer ainsi des effets dont seule l’union du ciel et de l’eau peut donner dans la nature une équivalence passagère.
Chaque vase est l’expression d’un moment particulier de lumière. Les premiers fins et de grandes dimensions, sont sans couleur ajoutée, leur surface a été légèrement satinée à la main comme d’une caresse de légère buée. Ailleurs l’on pourra voir les reflets de l’aube sur un étang, un léger brouillard, le halo opale de la lune, tous les états de lumière offerts par le ciel et l’eau, à l’infini. La matière pleine des pièces au sol coulées encore empreintes du sable de leurs moules parfois chargés d’oxydes évoqueront les reflets et les éclats de corps métalliques ou célestes. Comment ne pas penser aussi à la lumière contenue dans l’eau des pierres et des perles mais aussi à celles des spectacles de Bob Wilson telles qu’elles sont entrées dans notre imaginaire, les lumières dorées de El Galigo, celles bleutées de Black Rider, grises de Dream Play, légèrement mauve de Lulu. L’importance que Bob Wilson accorde à l’éclairage de ses mises en scène et qui l’a conduit à des innovations sublimes, largement enviées, pauvrement copiées, mais qui sont reconnaissables entre toutes, se retrouve ici au cœur de ses pièces.
Au premier regard les pièces réalisées au CIRVA par Bob Wilson peuvent sembler banales. Elles peuvent, pour certaines, rappeler les subtilités savantes des couleurs de Laura de Santillana dont il possède quelques pièces dans sa collection, pour d’autres, évoquer la finesse et la tension des lignes de Lino Tagliapetra dont il a également plusieurs pièces, d’autres encore semblent être un hommage à František Wizner auquel Bob avait souhaité rendre visite dans son repère loin, au cœur de la Slovaquie. La lumière immatérielle irradiant des pièces de ce mystique du verre ne pouvait que le toucher profondément.
Il faut dire ici l’importance que représente pour Bob Wilson le fait de collectionner, d’acquérir et de s’entourer d’objets très précisément désirés par lui. Ces objets d’art, ces objets de la vie quotidienne, ces images, sont pour lui une nourriture essentielle, vitale, une ressource émotionnelle et personnelle et une source de réflexion pour son travail. Il s’en empare avec respect et avidité pour identifier, sous d’autres formes, sa conception de l’espace, pour l’enrichir aussi. Retrouver la présence explicite ou la trace plus souterraine de ces objets dans son œuvre est une chose naturelle et nous sommes bien loin d’un simple « magasin d’accessoires ». Lorsque Bob Wilson choisit un objet, le fait apparaître sur la scène au moment des répétitions, s’inspire de sa géométrie, de son schéma de construction, de l’un des aspects de son apparence c’est pour lui une façon de le reconnaître et de le célébrer. L’usage qu’il en fait établit une connivence profonde, par delà le temps, l’espace, la diversité des cultures, entre lui et les artisans et artistes qui les ont crée.
Les objets en verre de Robert Wilson entretiennent certes un dialogue discret avec ses prédécesseurs et avec des savoirs faire ancestraux mais c’est avant tout avec lui même qu’il établit à travers eux un dialogue, avec sa sensibilité et avec sa conception de l’espace de représentation. Ils sont comme une confidence murmurée sur l’essence de sa quête.
A la suite de Lino Tagliapietra, de 1994 à 2005 se sont succédés au CIRVA pour réaliser les pièces de Bob Wilson, les souffleurs : Naomi et Fumiaki Uzawa, Jeff Zimmerman, Pavel Cajthamel, Matteo Gonet, assistés par l’ensemble des techniciens du CIRVA.
Durant cette période, Hanneke Fokkelman jusqu’en 2001 puis, Pierre Hessman, ont suivis l’ensemble des travaux.

 

Communiqués de presse/Press kits

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TEFAF 2017

Du 10 au 19 Mars 2017.
Maastricht.

 

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Photographies

Infos

8-12 Feb. 2017
CENTRO BANAMEX. SALA D.
AV. CONSCRIPTO #311 COL. LOMAS DE SOTELO, MÉXICO D.F.

Booth: #ZMD227

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Photographies

Info

30 Nov – 4 Dec 2016
Booth G09
Meridian Avenue & 19th Street
Adjacent to the Miami Beach Convention Center
Miami Beach, USA

Official website

Documents

Communiqué de presse (Français)
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Photographies

 

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Communiqué de Presse / Press Kit

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Photos

 

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BOB WILSON, Glass works

« Robert Wilson passionné par le verre…, désireux de s’y essayer… ». C’est ce que m’apprenait en 1994 un message de Paula Cooper, contactée pour un autre projet.

Robert Wilson occupe une toute première place au panthéon des artistes qui, au début des années 70 ont, en France, changé le regard d’une génération, et cela bien au delà du théâtre. Il fut, avec Trisha Brown, l’un des premiers contacts marquants que nous ayons eu avec l’avant garde américaine.
Invité par Jack Lang en 1971 il crée à Nancy « Le Regard du Sourd », spectacle de sept heures présenté quelques mois plus tard à Paris. Pour ma part, c’est à Annemasse que je le découvrais en 1974 avec « Lettre à la Reine Victoria ». C’était deux ans après la « Documenta de 72 ». Les chocs intellectuels et émotionnels ressentis à Kassel trouvaient dans la dimension onirique du temps et espace propre à son univers comme une mystérieuse et fascinante résonnance intérieure. En 1976 ce fut, à Avignon, l’éblouissement de « Einstein on the Beach » et, depuis, et jusqu’à ce jour, tant de créations inoubliables qui ne cessent de surprendre là où, comme c’est le cas pour un vieil ami, nous pensions déjà tout connaître. Car si Bob Wilson est le maître des structures les plus simples, il est aussi celui des variations, des nuances infinies que l’on peux y apporter, de la subtile alliance des contraires et des renversements, ce que nous verrons dans son travail avec le verre.
Lorsque j’appris que Bob Wilson était intéressé  par le verre au point de souhaiter s’y confronter ma surprise fût grande et je m’empressais de lui dire que, quoiqu’il désire faire, et même s’il n‘en avait aucune idée, le CIRVA serait heureux de se mettre sans réserve à sa disposition. Pendant plus de dix ans, de 1994 à 2005, il fréquenta avec assiduité l’atelier, autant que ses déplacements incessants aux quatre coins du monde le lui permettaient, quelques jours, un week end, parfois presqu’une semaine et cela une ou deux fois par an. L’ensemble des pièces furent réalisées en sa présence et si elles sortaient du four après son départ, sans qu’il ait pu les voir, il les découvrait à son retour, en dirigeait la finition jusqu’au dernier détail, la coupe, le polissage, le traitement de surface. Enfin, lorsqu’elles purent être toutes rassemblées, il les examina très longuement avant de prendre la décision de les garder ou non.
Avant sa venue à Marseille, il avait eu l’occasion de voir travailler Lino Tagliapietra, le plus célèbre de part le monde des maîtres verriers originaires de Murano. Il en admirait l’extraordinaire virtuosité, appréciait la légèreté et la tension des formes qu’il avait crées et qui, aujourd’hui, sont copiées sans réserve comme si elles faisaient partie du patrimoine de Murano depuis toujours. La précision des gestes et des déplacements de Lino, alliée à une concentration extrême, avait tellement impressionné Bob Wilson que parfois il se plaisait à l’imiter faisant ainsi entendre en un éclair à son interlocuteur là où se situait sa connivence avec le maestro.
Lino Tagliapietra venait alors régulièrement travailler au CIRVA. Sa collaboration était pour notre petite équipe comme pour les artistes invités une immense joie et un appui infiniment précieux.
Les premières séances de travail de Bob Wilson virent donc la rencontre, pleine de respect réciproque, de deux « monstres sacrés » venus de domaines apparemment bien éloignés l’un de l’autre. Face aux fours, royaume de Lino, Bob avait planté son sketch board. Armé de pastels gras de couleur il dessinait des vases ou plus exactement des tourbillons de lignes qui, autour d’un axe invisible concentraient l’énergie de spirales qui finissaient par faire corps.
Pour Bob Wilson la danse est au cœur du vivant comme de son œuvre. Observant les déplacements de Lino et de ses assistants, leurs va et vient incessants du four au banc qui dessinaient au sol comme une arabesque invisible, les mouvements de la canne balancée dans l’espace, dressée, puis abaissée avant d’être remise entre les mains du maestro assis à son banc de soufflage pour pouvoir tourner horizontalement la paraison de verre, les gestes, incompréhensibles pour un profane, de sa main calfeutrée de papier mouillé ou prolongée d’outils de bois ou de métal, les moments d’attente et d’immobilité qui soudain viennent rompre l’extrême vivacité du tempo, la répétition des mêmes gestes, enfin tout dans ce ballet, portait Bob Wilson a s’approprier cette matière inconnue, par le biais du geste et du mouvement.
Avec ses premiers dessins, tourbillon de lignes générant une forme comme sui generis, sans doute pensait-il pouvoir transcrire directement dans la matière, l’énergie émanant de cette grande mécanique. Il ne mesurait pas que chacun de ces gestes précis, s’inscrivaient avec la même précision dans la matière sans qu’aucune place ne soit laissée à la spontanéité. Il ignorait alors qu’introduire de la liberté dans ce processus parfaitement réglé est la chose la plus invraisemblable que l’on puisse envisager de réaliser et de réussir. La part de liberté autorisée par le verre soufflé se cantonne à des interventions de détail ou de décor. Introduire de la dissymétrie, là où règne la symétrie, déstabiliser l’intégrité d’une forme que tout tend à porter à sa perfection demande des trésors de ruse et d’invention.
Bob Wilson fut déçu par les résultats obtenus. Les enroulements de verre avaient perdus toute spontanéité, leur mouvement s’était crispé, était devenu maladroit et, de l’accumulation des lignes, naissait l’idée d’une confusion et non l’élan d’énergie attendu.
Il abandonna sa première approche réalisant que les règles imposées par la matière et par le métier devaient être prises pour ce qu’elles sont. Pour arriver à ses fins il fallait les apprivoiser ou les contourner. C’est ce que fit lorsque, plus tard, il trouva, avec le « concept n° 7 », une solution toute wilsonienne à son projet initial.
Il demanda au souffleur d’enrouler un large ruban, et non plus un mince fil de verre, autour d’un cylindre creux puis de l’écraser, en le faisant rouler sur une plaque de métal, pour faire entrer cet enroulement sauvage dans l’épure parfaite d’un plus grand cylindre. La tension entre liberté du geste et stricte géométrie était là, rendue à son maximum.
Entre temps, grâce à cette première tentative infructueuse, Bob Wilson avait compris ce qu’est l’essence du travail du verre : la mise en forme d’une matière en fusion tirée d’un creuset au bout d’une canne, incandescente, mouvante et instable et qui, en quelques secondes, se fige en une forme immobile, définitive. Ainsi initié il était libre d’explorer, avec ce nouveau media, et donc sous de nouvelles formes, les invariants de son travail : tension fondatrice entre mouvement et immobilité, entre ce qui se transforme et ce qui demeure, entre ombre et lumière. Il avait trouvé avec le verre, une matière sœur.
Il ne fit plus de grands dessins et les pastels de couleur furent rangés. De petits croquis indiquaient au souffleur la forme souhaitée, un trait de crayon noir estompé au doigt avec la plus grande attention précisait son volume, la nature de sa surface, mais surtout l’esprit vers lequel il devait tendre.

Voilà ce que Bob Wilson écrivait il y a un an alors que je l’interrogeais, bien tard, sur son attachement à la céramique et au verre:

« I like ceramics because I think it must be beautiful to work with clay and earth in one’s hands, but I much prefer glass. The heaviness and the lightness can be extreme. I like the strictness of the curved line as it is seen in geometry.

There are only 2 lines: curved and straight. That is a part of classical construction: buildings/trees, protagonist/antagonist. Time for me is a line that goes from the center of the earth to the heavens. Space is a horizontal line. This cross is the basic architecture of everything. It is the stripe of Barnett Newman, a piano key being played, the drip of milk in a Vermeer painting, or Jesus Christ on a cross. Robert Mapplethorpe’s photographs are based on the vertical and the horizontal, or a triangle that can be drawn from the top center to the edges of the bottom.

Les soixante dix sept vases soufflées au CIRVA, comme les pièces coulées, destinées au sol, sont chacun et chacune l’expression de ce propos qui donne à entendre ce qui attache si fort Bob Wilson à ce matériau.
Il explore pièce après pièce, les variations des principes énoncés dans ces quelques mots et les organise, à postériori, par famille, en « concepts » qu’il numérote sans observer la chronologie de leur ordre d’apparition. C’est en effet une œuvre conceptuelle et sensible, qui participe entièrement de son univers, qu’il a produit avec le verre pendant les dix années où il est venu travailler au CIRVA.
Courbe et ligne droite sont là, dans tous les vases en verre soufflé et dans toutes les pièces au sol faites de verre coulé et plein. La courbe se développe dans la verticalité et se transforme en ligne droite horizontalement, en leur sommet pour les premiers et, inversement, à leur base pour les seconds. Le passage entre horizontale et verticale se joue différemment selon les concepts. La courbe du concept n°6, mis au point avec un verre très fin par Lino Tagliapietra, se transforme en ligne droite dans l’axe vertical avant de se retourner à angle droit autour d’une ouverture minimum, prouesse de savoir faire bien que rien n’y paraisse. Ailleurs, la savante simplicité de la courbe, plus ou moins ronde ou ovalisée, se renverse avec douceur lorsque retournée à la main ou, s’interrompt brutalement lorsque le haut du vase est coupé à la scie et révèle sur sa tranche l’importance de son épaisseur.
Le verre peut, indifféremment, être fin ou épais rappelle Bob Wilson. Chacune de ses pièces explore cette bivalence qui pourrait sembler être une donnée presque anodine si tant d’autres propriétés n’en dépendaient pas.
C’est le cas pour l’une d’entre elles dont Bob Wilson ne parle pas. Peut être lui est-elle tellement familière et façonne t-elle si profondément sa conception de l’espace qu’il oublie d’en faire état ? Cette propriété du verre, qui le rend si proche de son univers est la capacité qu’il a de transmettre et de refléter simultanément la lumière, d’être transparent ou opaque, Il ne fait pas état non plus non d’une autre capacité liée à la précédente, celle de diffuser la couleur tout en la retenant pour partie et de créer ainsi des effets dont seule l’union du ciel et de l’eau peut donner dans la nature une équivalence passagère.
Chaque vase est l’expression d’un moment particulier de lumière. Les premiers fins et de grandes dimensions, sont sans couleur ajoutée, leur surface a été légèrement satinée à la main comme d’une caresse de légère buée. Ailleurs l’on pourra voir les reflets de l’aube sur un étang, un léger brouillard, le halo opale de la lune, tous les états de lumière offerts par le ciel et l’eau, à l’infini. La matière pleine des pièces au sol coulées encore empreintes du sable de leurs moules parfois chargés d’oxydes évoqueront les reflets et les éclats de corps métalliques ou célestes. Comment ne pas penser aussi à la lumière contenue dans l’eau des pierres et des perles mais aussi à celles des spectacles de Bob Wilson telles qu’elles sont entrées dans notre imaginaire, les lumières dorées de El Galigo, celles bleutées de Black Rider, grises de Dream Play, légèrement mauve de Lulu. L’importance que Bob Wilson accorde à l’éclairage de ses mises en scène et qui l’a conduit à des innovations sublimes, largement enviées, pauvrement copiées, mais qui sont reconnaissables entre toutes, se retrouve ici au cœur de ses pièces.

Au premier regard les pièces réalisées au CIRVA par Bob Wilson peuvent sembler banales. Elles peuvent, pour certaines, rappeler les subtilités savantes des couleurs de Laura de Santillana dont il possède quelques pièces dans sa collection, pour d’autres, évoquer la finesse et la tension des lignes de Lino Tagliapetra dont il a également plusieurs pièces, d’autres encore semblent être un hommage à František Wizner auquel Bob avait souhaité rendre visite dans son repère loin, au cœur de la Slovaquie. La lumière immatérielle irradiant des pièces de ce mystique du verre ne pouvait que le toucher profondément.
Il faut dire ici l’importance que représente pour Bob Wilson le fait de collectionner, d’acquérir et de s’entourer d’objets très précisément désirés par lui. Ces objets d’art, ces objets de la vie quotidienne, ces images, sont pour lui une nourriture essentielle, vitale, une ressource émotionnelle et personnelle et une source de réflexion pour son travail. Il s’en empare avec respect et avidité pour identifier, sous d’autres formes, sa conception de l’espace, pour l’enrichir aussi. Retrouver la présence explicite ou la trace plus souterraine de ces objets dans son œuvre est une chose naturelle et nous sommes bien loin d’un simple «  magasin d’accessoires ». Lorsque Bob Wilson choisit un objet, le fait apparaître sur la scène au moment des répétitions, s’inspire de sa géométrie, de son schéma de construction, de l’un des aspects de son apparence c’est pour lui une façon de le reconnaître et de le célébrer. L’usage qu’il en fait établit une connivence profonde, par delà le temps, l’espace, la diversité des cultures, entre lui et les artisans et artistes qui les ont crée.
Les objets en verre de Robert Wilson entretiennent certes un dialogue discret avec ses prédécesseurs et avec des savoirs faire ancestraux mais c’est avant tout avec lui même qu’il établit à travers eux un dialogue, avec sa sensibilité et avec sa conception de l’espace de représentation. Ils sont comme une confidence murmurée sur l’essence de sa quête.

A la suite de Lino Tagliapietra, de 1994 à 2005 se sont succédés au CIRVA pour réaliser les pièces de Bob Wilson les souffleurs : Naomi et Fumiaki Uzawa, Jeff Zimmerman, Pavel Cajthamel, Matteo Gonet, assistés par l’ensemble des techniciens du CIRVA.
Durant cette période, Hanneke Fokkelman jusqu’en 2001 puis, Pierre Hessman, ont suivis l’ensemble des travaux.

Françoise Guichon, septembre 2016

 

Maîtres de la Modernité , par Anne Bony

Malgré la volonté de l’exposition de 1925 à Paris, de défendre les arts décoratifs et industriels modernes, la Société des artistes décorateurs s’enlise dans la tradition, la Compagnie des Arts Français s’entiche du style Louis Philippe, Jacques Emile Ruhlmann réhabilite l’idée du luxe, il crée pour l’élite. L’opulence et la polychromie sont à l’ordre du jour. La société du Salon d’Automne, invite les membres du Werkbund allemand en 1910. La modernité gronde depuis l’établissement de cette association en 1907 « pour anoblir le travail industriel dans la coopération de l’art, de l’industrie et de l’artisanat » prolongé par la création de l’école du Bauhaus en 1919. Le Corbusier et Ozenfant théorisent la question de la vie moderne en France en 1920, lorsqu’ils publient la revue l’Esprit Nouveau, revue rationaliste française de l’Art Constructif International.

Au salon d’automne de 1927, à la fois contemporaine et moderne, Charlotte Perriand présente « Le bar sous le toit », un ensemble influencé par les temps modernes, en acier chromé et aluminium anodisé. La même année, intégrée dans l’agence de Le Corbusier, elle reprend le programme théorique « des casiers, des chaises des tables, l’équipement de l’habitation » et expose en 1929 du mobilier édité par Thonet, chaque pièce porte le sigle Thonet-Le Corbusier-Pierre Jeanneret-Charlotte Perriand. « Établir des standards, consiste à s’occuper exclusivement de perfection. » lui explique Le Corbusier. Elle apprécie Pierre Jeanneret, architecte et cousin de Le Corbusier qui l’assiste depuis 1922.
Lors du Salon des Artistes décorateurs de 1928, Charlotte Perriand, René Herbst et Djo-Bourgeois se regroupent pour faire bloc contre la production des « décorateurs ». C’est en 1929, que se produit la rupture. Jeunes et fougueux, ils prônent l’emploi du métal et d’autres matières modernes et créent l’Union des artistes Modernes (UAM), union catalysant leurs idées révolutionnaires. La première exposition du groupe, se tient autour du thème « l’Art moderne, cadre de la vie contemporaine ». Ils se posent en faveur de l’art moderne qui est, pensent-ils « un art véritablement social… un art pur, accessible à tous, et non une imitation faite pour la vanité de quelques-uns. » Le premier manifeste est publié tardivement en 1934, la rédaction en est confiée à Louis Chéronnet, rédacteur en chef de la revue Art et décoration, l’art moderne est une réponse « à leur volonté de doter l’homme du XXème siècle d’un cadre raisonnable, c’est-à-dire capable de donner satisfaction à toutes les exigences matérielles et intellectuelles imposées par la conjoncture. » C’est dans les rangs de l’UAM que s’épanouit le talent militant de Charlotte Perriand, de Jean Prouvé et de Pierre Jeanneret qui y adhère en 1930.

La liberté, l’audace, l’indépendance et la solidarité caractérisent le trio. Charlotte Perriand quitte l’atelier de Le Corbusier en 1937 et met au point avant de partir en mission de conseil en art industriel au Japon en 1940, un programme de mobilier avec Jean Prouvé et Pierre Jeanneret et le BCC (Bureau central de construction) créé en 1939 par Georges Blanchon. A son retour elle est chargée de l’équipement des premiers hôtels de Meribel-les-Alues, 1946-1949. En osmose avec l’esprit de la vallée, elle utilise des madriers de sapin pour le mobilier et l’aménagement intérieur. Après la guerre, elle réalise l’équipement de la cellule-type de l’Unité d’habitation de Le Corbusier à Marseille, présentée au salon des arts ménagers, 1950. Son expérience et son goût pour la montagne se manifeste de façon exemplaire dans l’opération des Arcs démarrée en 1967, elle y consacre 20 ans de sa vie en prônant « Les loisirs pour tous ».

Véritable entrepreneur Jean Prouvé déploie son art avec volontarisme, homme d’action plus que de discours, il affirme « être de son temps, sans compromis. » Il expose ses premiers meubles en 1930. Sa rencontre avec les architectes Baudoin et Lods en 1933, l’incite à penser une nouvelle façon de faire de l’architecture avec une mise en œuvre structurelle innovante. En 1939, il dépose un brevet pour une construction à ossature démontable, pour les unités de combat, sa première construction à portique.

Une réflexion sur les équipements de loisirs, lie pour la première fois, Pierre Jeanneret et Jean Prouvé en 1938. Une collaboration durable s’instaure entre ces deux esprits pragmatiques, grâce à la commande de constructions démontables, préfabriquées et équipées pour la construction en zone libre de l’usine de la Société Centrale des Alliages Légers (SCAL) à Issoire (1939-41). Pierre Jeanneret quitte la France en 1951 pour Chandigarh (Inde), afin de suivre le chantier de la ville administrative et d’en dessiner le mobilier. En 1953, Jean Prouvé complète la réalisation de tables en forme libre, avec Charlotte Perriand, ainsi que des séries de bibliothèques, dont le modèle « Tunisie ». En 1962, Charlotte Perriand part au Brésil où elle compose avec des bois indigènes. De rares commandes spéciales jalonnent son parcours, en 1966 elle équipe la résidence de l’ambassadeur du Japon à Paris.

Un sillon exemplaire signé Perriand, Prouvé et Jeanneret, une lecture moderne, abstraite et créative à la fois.
 

 

Masters of Modernity by Anne Bony

Despite the determined wish of the 1925 Paris Art Deco Exhibition to champion modern decorative and industrial arts, the Society of Decorative Artists became bogged down in tradition, the Company of French Arts became infatuated with the Louis Philippe style, and Jacques Emile Ruhlmann re-invented the idea of luxury, and created things for the élite. Opulence and polychromy were the order of the day. The Society of the Salon d’Automne invited members of the German Werkbund in 1910. Modernity had been making noises since the establishment of that association in 1907 “to ennoble industrial work in cooperation with art, industry and craftsmanship”, extended by the creation of the Bauhaus school in 1919. Le Corbusier and Ozenfant theorized about the issues of modern life in France in 1920, when they published the magazine L’Esprit Nouveau, a rationalist French review of International Constructive Art.

At the 1927 autumn salon, which was at once contemporary and modern, Charlotte Perriand presented “Le bar sous le toit”, an ensemble influenced by modern times, made of chrome-plated steel and anodized aluminium. That same year, having joined the Le Corbusier agency, she took up the theoretical programme of “cabinets with pigeonholes, chairs, tables and household equipment” and, in 1929, she exhibited furniture produced by Thonet, with each piece bearing the Thonet-Le Corbusier-Pierre-Jeanneret-Charlotte Perriand acronym. “Setting up standards consists in being involved exclusively with perfection”, Le Corbusier explained to her. She much appreciated the architect Pierre Jeanneret, Le Corbusier’s cousin, who had been assisting her since 1922.

At the Salon of Decorative Artists in 1928, Charlotte Perriand, René Herbst and Djo-Bourgeois got together to oppose the production of the “decorators”. It was in 1929 that the break happened. Young and spirited, they advocated the use of metal and other modern materials, and created the Union of Modern Artists (UAM), a union which catalyzed their revolutionary ideas. The group’s first exhibition was organized around the theme: “Modern art, the frame of contemporary life”. They were in favour of modern art which, they thought, was a “truly social art… a pure art, accessible to all, and not an imitation made for the vanity of a few.” The first manifesto was published at a late date, in 1934, its preparation and writing entrusted to Louis Chéronnet, chief editor of the magazine Art et decoration. Modern art was a response “to their desire to endow 20th century man with a sensible setting, meaning one capable of satisfying all the material and intellectual demands imposed by the state of things”. It was within the UAM’s ranks that the militant talent of Charlotte Perriand, Jean Prouvé and Pierre Jeanneret, who joined the Union in 1930, flourished.

Freedom, daring, independence and solidarity hallmarked this threesome. Charlotte Perriand left the Le Corbusier workshop in 1937 and, before setting off for Japan as an industrial art consultant in 1940, she developed a furniture programme with Jean Prouvé and Pierre Jeanneret, and with the BCC (Central Construction Bureau), created in 1939 by Georges Blanchon. On her return she was given the task of furbishing the first hotels at Meribel-les-Alues, between 1946 and 1949. In osmosis with the valley spirit, she used the timber of fir trees for the furniture and interior fittings. After the war she produced the cell-type furnishings of Le Corbusier’s Unité d’Habitation in Marseille, presented at the 1950 Salon des Arts Ménagers/Ideal Home Exhibition. Her experience of and liking for mountains came across in an exemplary way in the Les Arcs operation which got under way in 1967, where she devoted 20 years of her life advocating “Leisure for everyone”.

Jean Prouvé was nothing less than an entrepreneur who developed his art with a proactive approach. He was a man of action rather than words, who declared that he was “uncompromisingly of his time”. He exhibited his first pieces of furniture in 1930. His meeting with the architects Baudoin and Lods in 1933 prompted him to devise a new way of producing architecture, with innovative structural applications. In 1939 he registered a patent for a construction with a frame that could be easily dismounted, for combat units—his first portico construction.
A similar way of thinking about leisure amenities linked Pierre Jeanneret and Jean Prouvé together for the first time in 1938. A long-lasting collaborative relationship was struck up between these two pragmatic minds, thanks to the commission for dismountable, prefabricated constructions, equipped for the construction in the zone unoccupied by the Germans of the factory of the Société Centrale des Alliages Légers (SCAL), in Issoire (1939-1941). Pierre Jeanneret left France in 1951 for Chandigarh (India), in order to supervise the project for the administrative city and design its furniture. In 1953, Jean Prouvé completed the production of free-form tables, with Charlotte Perriand, as well as various series of bookshelves, including the “Tunisie” model. In 1962, Charlotte Perriand left for Brazil where she worked with varieties of native timber. Special commissions, few and far between, staked out her career, and in 1966 she furnished the residence of the Japanese ambassador to Paris.

An exemplary trail was blazed by Perriand, Prouvé, and Jeanneret, offering a reading that is at once modern, abstract and creative.

BIENNALE DES ANTIQUAIRES – 10-18 SEPTEMBRE 2016

Grand Palais – 3, avenue du Général Eisenhower – 75008 Paris
Du samedi 10 au dimanche 18 septembre de 11h00 à 20h00, nocturne le jeudi 15 septembre jusqu’à 23h00

BIENNALE DES ANTIQUAIRES – 10-18 SEPTEMBER 2016

Grand Palais – 3, avenue du Général Eisenhower – 75008 Paris
From Saturday 10th to Sunday 18th september 11am-8pm – Thursday 15th september until 11pm

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Charlotte Perriand, Jean Prouvé, Pierre Jeanneret, Maîtres de la Modernité

Pour la Biennale des Antiquaires 2016 au Grand Palais, François Laffanour, présente une sélection de mobilier de Charlotte Perriand, Jean Prouvé et Pierre Jeanneret. Cet ensemble de pièces exceptionnelles constitue une ré exion autour de la modernité et des innovations apportées par ces créateurs.
Charlotte Perriand (1903-1999), gure de proue du mobilier des années 50, femme libre et engagée, s’est e orcée de créer un mobilier aux lignes modernes tout en respectant les techniques et les matériaux traditionnels. Parmi les objets d’exception, sera présentée une rare banquette, à structure en acier, créée en 1966 pour la résidence privée de l’ambassadeur du Japon en France. Jean Prouvé (1901-1984), esprit multiple à la fois ingénieur, architecte et constructeur s’est attelé à l’industrialisation du processus de fabrication créant machines et ateliers a n de proposer un mobilier fonctionnel et accessible à tous. Une rare table Granito, une bibliothèque des années 30, un bureau Présidence, ainsi que des éléments d’architectures. Quand à lui Pierre Jeanneret (1896-1967) est toujours resté en retrait auprès de son illustre cousin Le Corbusier. Méconnu du grand public ce créateur, l’un des tout premier à avoir dessiné des modèles pour Knoll International, illustre le caractère familial de cette avant-garde du design, prenant part aux projets des plus grands de ses collaborateurs et amis. L’unique table à cinq pans qu’il conçut pour la salle à manger de la famille Prouvé en 1943, dans une France occupée sera exposée La Galerie présentera également une unique table à jeux, commande spéciale de 1948 ainsi que quelques très rares pièces provenant de la ville de Chandigarh en Inde.

 

Charlotte Perriand, Jean Prouvé, Pierre Jeanneret, Masters of Modernity

For the Biennale des Antiquaires 2016 at the Grand Palais, François Laffanour, internationally recognized as a post-war architect furniture specialist, presents a selection of pieces by Pierre Jeanneret, Charlotte Perriand and Jean Prouvé. This exceptional set of furniture represents a re exion on the idea of modernity and on the innovations brought by these designers.
Charlotte Perriand (1903-1999), one of the main gures of 1950s design, a free and committed woman, devoted to creating furniture combining modern lines with traditional materials and techniques. Among the exceptional masterpieces will be presented a rare bench with a steel structure, designed in 1966 for the private residence of the ambassador of Japan in France. Jean Prouvé (1901-1984), for his part, worked on industrializing the process of furniture making by creating machines and workshops to produce fair, functional and a ordable furniture. By this multidisciplinary spirit, at once engineer, architect and constructor, we present a remarkable shelving system from the 1930s, a rare “Granito” table, a “Présidence” desk and several architectural elements. Throughout his life, Pierre Jeanneret (1896-1967) remained in the shadow of his prominent cousin Le Corbusier. Not very familiar to the general public, he was one of the rst to design furniture for Knoll International. Having taken part in the projects of his most important collaborators and friends, Jeanneret characterizes the familial relationships in this avant-garde of design. In this respect, we are presenting the unique ve sides table that he designed for the dining room of the Prouvé family in 1943, in France at war. We will also show a unique gaming table, special commission from 1948 and some rare pieces from the city of Chandigarh in India.

 

Photographies

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Communiqué de Presse / Press kit

Communiqué de presse (Français)
Press kit (English)